El cine como Adicción

Stella

2011-07-16T17:37:00.000-07:00

Con varios años de retraso, como viene siendo habitual en este tipo de producciones, se ha colado la película francesa Stella en la cartelera española. En ella se narra la educación sentimental de una chica de once años desde su situación familiar, el colegio, las amigas y los primeros amores.

Resulta complicado trabajar con niños, no tanto por la labor interpretativa de los jóvenes actores, sino por la forma en la que aparecen retratados en pantalla. En un principio parece que éste es el principal problema de la película, con un abuso de una voz en off poco creíble de la niña. Pero poco a poco se crece el film y consigue construir un relato intenso, bien estructurado y agradable en su sencillez.

Con referentes evidentes como Los cuatrocientos golpes, la guionista y directora Sylvie Verheyde sabe tomar lo justo de sus influencias para crear una actualización muy personal del arquetipo de la película de formación. Entre el entrañable reparto se encuentran caras conocidas del cine francés como Guillaume Depardieu y de la música como Benjamin Biolay.

Ante todo cabe destacar la inteligencia con la que se desenvuelve la cámara, cómplice de las tribulaciones de la protagonista. Quizás el principal acierto sea la utilización de elipsis que pasan casi inadvertidas pero que son clave a la hora de dar ritmo a la narración. Por supuesto se trata de una producción poco ambiciosa, pero honesta. Un pequeño ajuste de cuentas con la adolescencia visto a través de unos ojos muy audaces.

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Beginners (Principiantes)

2011-07-05T03:21:00.000-07:00

Llega a nuestras salas la que promete ser la comedia americana "independiente" del año, Beginners (Principiantes). Narra al mismo tiempo dos historias diferentes, que tienen lugar en momentos distintos. Por un lado, la relación del protagonista Oliver (Ewan McGregor) con su padre (Christopher Plummer) tras la muerte de su madre y por el otro el escarceo amoroso con una joven actriz francesa (Mélanie Laurent).

Por supuesto, el más que correcto montaje ayuda aporta fluidez y frescura a la cinta. Pero esta comedia cuenta con muchos más aciertos. Empezando por el humor para trata las relaciones personales con originalidad, manteniéndose a distancia de caer en los tópicos. La historia del hijo con su padre, en la que se trata la homosexualidad en la vejez, es prácticamente autobiográfica. Quizás este enfoque hace que se trate con enorme comprensión y ternura una problemática social que podría resultar impostada y comercial. De todas formas, aunque las dos historias paralelas forman un tándem complementario, funciona mejor la historia de amor.

El elenco al completo está magnífico. Sobre todo Christopher Plummer, en un papel muy complejo. También se acierta con el humor gráfico melancólico que se le imprime a la película en varios momentos para contextualizar los cambios sociales que se produjeron.

En definitiva, una gran película que rebosa humor y ternura con inusitada profundidad a la hora de tratar las relaciones personales. Mike Mills es ya un hombre a seguir, mientras que éste su segundo largo empieza a sonar fuerte para los Oscars.

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Blogs

2011-05-28T08:45:00.001-07:00

Acabo de descubrir este blog de cine.

Última fila centrado

Es de lo mejor que he encontrado sobe el tema últimamente.

Altamente recomendado.

Pa negre

2010-10-13T12:03:00.001-07:00

Pa negre es lo nuevo de Agustí Villaronga, director mallorquín adorado por gafapastas y demás cinéfilos minoritarios. Inició su filmografía en la década de los 80 con Tras el cristal, al a que siguieron producciones tan personales como El niño de la luna, o más recientemente, El mar. A mí no me fascinan. Siento que las provocaciones de Villaronga han perdido con los años.

Esta vez, presenta un proyecto ambicioso que no se parece a nada anterior. Y resulta sorprendente cuando lo esperable es lo contrario. Planteamiento: niño ingenuo se adentra en la vida adulta de la posguerra. No podían faltar en esta descripción el despertar de la sexualidad, la amistad, la decepción y tantos otros elementos que suenan a [muy] visto.

Pero Villalonga consigue mejorarlo, darle tres vueltas al tópico y dejar huella en el espectador. El primer acierto es la ausencia de maniqueísmos. Ya sólo los borrachos siguen hablando de vencedores y vencidos, como muestra con solvencia. Evita también la idealización de la niñez y la vida rural, fallo demasiado repetido en nuestro cine.

Y consigue acertar con una dirección intensa, llena de talento. La primera escena es sencillamente arrebatadora. Es cierto que el guión resulta confuso por momentos y se pierde en los detalles del perturbado entorno moral del chico, alejándose de la trama principal. Pese a ello, el gran reparto, encabezado por un [tal] Francesc Colomer, esconde con éxito los tropiezos del libreto.

En definitiva, Pa negre es compleja, perturbadora por momentos, dura y tremendamente emotiva. Y necesaria. Nunca antes nadie había visto representada con tanto poderío la vida de los que nacieron con un pasado, un presente y un futuro de mierda. Termina por doler.

La red social

2010-10-13T11:50:00.000-07:00

David Fincher estrena La red social, y viene precedida por el respaldo unánime de la crítica estadounidense. Esta ficción sobre los orígenes de Facebook será sin lugar a dudas una de las protagonistas de la próxima edición de los Oscars.

Técnicamente, es casi inmejorable. Fincher nos está malacostumbrando a mucha calidad con sus últimas películas. Es capaz de dirigir escenas brillantes que se suceden con un controladísimo ritmo. Cada detalle de la producción está muy cuidado: la magnífica banda sonora a cargo de Trent Reznor, la fotografía, el montaje, el guión…

Resulta admirable que la historia del magnate Mark Zuckerberg -que está protagonizada por yuppies y niños-Harvard- consiga enganchar tanto, oscilando entre la comedia y el drama. A partir de las anécdotas empresariales, se perfilan temas como la amistad, los celos, la traición y la envidia de manera magistral. Jesse Eisenberg consigue generar odio y simpatía en el espectador al mismo tiempo encarnando al principal creador de Facebook.

Si bien no todo es perfecto. La cinta peca de oportunista; nos llega envuelta en una gran polémica que no es tan casual como parece. Todo está medido en Hollywood para conseguir el mayor éxito posible, lo que debería suscitar una reflexión sobre el séptimo arte. Hasta qué punto una película sirve como producto.

Pero también se puede entender el objetivo del filme de otra manera. Si Mark Zuckerberg es la mínima parte del villano que representa en la pantalla, la película se erige como uno de los mayores casos de justicia poética que se han vivido en el cine. Una denuncia capaz de herir a un visionario tan rico como mezquino.

Planes para mañana

2010-10-01T05:56:00.000-07:00

Planes para mañana, de Juana Macías, se ha convertido en una de las óperas primas más esperadas del panorama nacional tras obtener tres premios de peso en la pasada edición del Festival de Málaga. La trama se centra en tres historias de mujeres de distinta edad que están relacionadas entre ellas. Transcurre durante un único día, al más puro estilo Magnolia. Creo que a estas alturas, esta estructura narrativa no sorprende a nadie.

Los tres relatos son muy desiguales y el nexo entre ellos está demasiado forzado. Todas se centran con excesiva insistencia en la figura de la mujer y las relaciones materno-filiales. Aparecen todos los tópicos de siempre, a saber, la discriminación laboral, el maltrato doméstico, la vida conyugal, hombres malos, el embarazo, … La falta de originalidad también es una constante en la cinta.

Algunos giros del guión rozan la estulticia, la película transcurre a trompicones, la fotografía es gris y la dirección no mejora la situación. Y aún así, lo peor de todo es la pretenciosidad bienintencionada que se esconde en cada escena. Este afán de trascendencia suele aparecer en el arte joven, donde todo son abandonos, cambios radicales, soledad, fortaleza, muerte, etc. La contención y los pequeños detalles de la vida, uno los empieza a comprender más tarde.

Pero sí que hay elementos interesantes que evitan el desastre. Reluce por encima del resto del reparto (con permiso de Carme Elías) Aura Garrido, que encarna a la adolescente. En su debut cinematográfico, da vida propia al personaje más real de toda la historia. Un descubrimiento. Además, salí del cine con buen sabor de boca gracias a la excelente banda sonora -con Annie B Sweet, Alondra Bentley…- y el mimo con el que se trata la última historia, que además es la mejor. Por lo menos ofrece algo ligeramente distinto.

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Chloe

2010-09-25T07:43:00.000-07:00

Llega con retraso, como viene siendo habitual, la última película del inclasificable Atom Egoyan. El director se ha hecho con un hueco entre las estrellas de la industria independiente gracias a historias hipnóticas donde priman las emociones. La película con la que alcanzó el reconocimiento internacional fue El dulce porvenir: bellísima. Si quieren iniciarse en su filmografía, ése es un buen punto de partida.

Junto a éxitos importantes, Egoyan ha sorprendido también con productos más mediocres. En este caso, Chloe, es un remake de Nathalie X, película francesa que pasó sin pena ni gloria por nuestra cartelera hace unos años. Personalmente, no he visto la original así que me baso únicamente en el trabajo de Egoyan a la hora de hablar de la película.

El talento del director se muestra inalterable desde los primeros planos. Los detalles de la vida cotidiana se suceden unos a otros con gran interés. Dando esto por hecho, que es el principal interés del filme, la historia se pierde en su propia inverosimilitud, carece de sentido alguno. Los giros del guión se suceden de forma caprichosa y aún así la trama termina cayendo en la previsibilidad. El personaje de femme fatale está ya muy trillado, y por mucho que se disfrace el tema de novedad, la temática se vuelve fantasiosa.

Los actores protagonistas cumplen con creces su trabajo. Como siempre, Julianne Moore no defrauda. Ni tampoco Liam Neeson. Amanda Seyfried no me convence para nada, pero me alegra ver que de vez en cuando es capaz de cambiar de registro.

La banda sonora es un elemento indispensable en el cine sensorial de Egoyan, y en Chloe no podía fallar. Pese a que el resultado es excesivamente irregular, algunas escenas por separado consiguen emocionar y están muy trabajadas. Una pena que en conjunto sea más bien irrelevante, con un afán escandalizador algo patético.

El americano

2010-09-12T07:28:00.000-07:00

The American, dirigida por el célebre fotógrafo Anton Corbijn y protagonizada por George Clooney llega a la cartelera nacional después de haber alcanzado el número uno en taquilla en Estados Unidos. Tengo la sensación de que todos los americanos que han ido a ver la película compraron la entrada pensando en otro tipo de producto. El cartel engaña.

Anton Corbijn me fascinó con su ópera prima, Control, donde recreó la vida de Ian Curtis. Esta vez se ha decidido por un thriller muy alejado de su anterior trabajo. Evidentemente, queda patente el sello personal del director. Cada plano está medido milimétricamente. Se nota su pasado como fotógrafo.

La idea de la trama es buena. Un mercenario en horas bajas decide esconderse en un pequeño pueblo de los Abruzos en busca de una nueva vida antes de que le encuentren las sombras de su pasado. El problema es que la trama no consigue estar a la altura del planteamiento inicial. Por un lado, el ritmo lento impide el clímax en las escenas de acción. Por el otro, los símbolos (mariposa, el hombre misterioso) que pretenden otorgar algo de originalidad son muy pedestres. Y lo peor de todo son los diálogos. Patéticos. Entiendo que el guionista quería retratar a los personajes con muy pocas palabras, pero no lo consigue. Reducir tanto las conversaciones hace que no te creas nada de la película, que sea todo muy poco natural.

El resultado final es tan irregular que termina por naufragar en tierra de nadie. Pero tiene cosas buenas. La banda sonora es magnífica. Y el paisaje queda fotografiado con gran maestría. George Clooney, actor protagonista y productor, está correcto. Al menos mucho más que sus compañeras de reparto, que se encuentran a la altura de un telefilm. Tampoco se pueden pasar por alto los guiños al público -más o menos evidentes- como la referencia al western o el “We no speak americano”. Imprescindible la versión original. No quiero ni imaginar cómo serán las voces dobladas imitando el acento italiano.

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Cartas a Julieta

2010-09-08T08:04:00.000-07:00

Una nueva comedia romántica. Estadounidense. Protagonizada por Amanda Seyfried, plagiándose a sí misma en el papel de tonta-ñoña. A esto hay que añadir las burdas referencias a Shakespeare (véase el título) y el hecho de que esté ambientada en la Toscana.

Con estas líneas generales, nadie en sus cabales es capaz de pensar que la película merezca la pena. Pero también llama la atención positivamente la inclusión en el reparto de Vanessa Redgrave y Gael García Bernal. La primera, fantástica actriz, consigue dar a su personaje una profundidad muy alejada del resto de protagonistas. Me encanta su mirada serena y su pausada forma de hablar. De Gael en cambio no puedo decir lo mismo. El mexicano parecía saber escoger sus proyectos. Esperemos que ésta sea la excepción que confirma la regla, porque probablemente nos encontremos ante el peor papel de su carrera. Repite los mismos gags sin gracia continuamente. No puedo soportar su hiperactividad a la hora de hablar y de moverse.

Las imágenes idílicas de la Toscana, a través de viñedos y de ciudades como Siena, Livorno o Verona no pasan del clip de agencia de turismo. Era de esperar. Como también es de esperar que la película sea tan previsible y excesivamente inverosímil.

De todas formas, uno se acostumbra fácilmente a este tipo de productos de consumo. Los continuos ataques a la inteligencia no están reñidos con la capacidad de entretener. En el fondo, puede llegar a enganchar en una tarde de domingo. Se pasa con rapidez, gracias a una correcta banda sonora. Eso es todo lo bueno que se puede decir: no se hace demasiado larga.

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Lope

2010-08-27T08:52:00.000-07:00

Por fin llega a nuestros cines la producción brasileña-española sobre la juventud de Lope de Vega. Mucho se ha invertido en Lope y el hecho de que sea una película de época nos hace temer se trate de una nueva “alatristada”. Nada más lejos de la realidad.

En primer lugar, la cuidada estética consigue con aparente sencillez adentrarnos en la vida de un dramaturgo de finales del siglo XVI, sin perder un ápice de actualidad.
Igualmente, el guión se desenvuelve con gran ritmo centrándose en aspectos interesantes como son la lucha por la renovación del teatro o los valores sociales. Narra con contención las peripecias de Lope, sin excesivas peleas y persecuciones, lo que ese un alivio.

Las relaciones sentimentales en las que se centra la película resultan muy creíbles gracias al espléndido trdebajo de todo el reparto. Es indispensable hacer mención aparte al actor protagonista, Alberto Ammann. Tras su Goya al mejor actor revelación por Celda 211, el argentino demuestra que está a la altura de cualquier reto interpretativo. Junto a él, Leonor Watling y Pilar López de Ayala constituyen el triángulo amoroso.

Es cierto que la cinta está destinada a un público muy amplio y eso acarrea una pequeña falta de rigor histórico y filológico en la narración. De todos modos, no es un inconveniente serio. Por otro lado, el gran punto a favor es la utilización de los poemas de Lope de Vega. La fuerza que transmiten ha sido aprovechada al máximo, y es un gusto ver cómo todavía se mantienen en vigencia.

Ésta es una buena muestra del buen hacer (a veces) del cine español; quien lo probó lo sabe.

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Io sono l'amore (Yo soy el amor)

2010-05-29T03:15:00.000-07:00

Película italiana producida por y para Tilda Swinton, dirigida por Luca Guadagnino (Melissa P). Cuenta la historia de los Recchi, una familia de la alta burguesía industrial de Milán que lucha por adaptarse a los nuevos tiempos sin romper con la tradición familiar.

Exactamente lo mismo que pasa con la cinta, que une la elegancia y la estética de los grandes clásicos italianos con elementos narrativos más modernos. Las interpretaciones son fantásticas, en especial, la de Tilda Swinton que, como era de esperar, sostiene toda la carga de la película. Para ello, tuvo que perfeccionar su ruso y su italiano.

Todos los detalles se mantienen extremadamente cuidados. Empezando por la dirección, un recital de planos secuencia, cenitales, contrapicados, etc. a la altura de un ambiente tan distinguido. Pese a que no soy un loco de la gastronomía, el decoro a la hora de mostrar las comidas (los momentos donde se desarrolla la trama) hace de esta película un regalo para todos los sentidos.

En resumidas cuentas, es un gran melodrama familiar, con una banda sonora maravillosa y una estética impecable. Además, el personaje femenino protagonista se perfila con una riqueza envidiable. Evidentemente, habrá quien no tenga tiempo de pararse a ver la magia de una película que se degusta lentamente.

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La familia Savages

2010-05-27T12:36:00.000-07:00

Con dos nominaciones de la Academia y varios premios de cine independiente, se estrenó The Savages en el 2008 en España. Dos grandes actores protagonistas, Philip Seymour Hoffman y Laura Linney, prometían ofrecer una brillante tragicomedia sobre las dificultades de dos hermanos a la deriva para que su padre enfermo viva dignamente.

En un principio todo pinta bien. Los planos iniciales de una ciudad residencial para la tercera edad apuntan a una crítica al establishment americano como lo harían otras producciones independientes de la altura de Little Miss Sunshine o Up in the air. Los protagonistas, encarnados por dos actores en estado de gracia, están muy bien perfilados. Sus vidas fluctúan entre la tragedia y la amargura. Los diálogos están muy logrados, suenan a realidad. Además, el pequeño drama familiar se narra con un fino humor cercano a la ironía que en ocasiones resulta muy divertido.

Pero llega un momento en el transcurso de la obra, que algo falla. Una vez presentados los personajes y el primer nudo de trama, desaparece el ritmo narrativo. La trama se deshilacha y se vuelve previsible. La película se convierte en una sucesión de gags humorísticos más o menos acertados que alejan al espectador de la dura historia.

Una pena, porque la cinta no termina de perder la frescura inicial. Se consigue radiografiar esta familia desestructurada, pero se alarga demasiado. De todas formas, acierta a la hora de dar testimonio de la desoladora vejez con mucha delicadeza. Inteligentemente conmovedora.

Man on Wire

2009-04-13T11:44:00.000-07:00

Este pequeño documental de la BBC que cuenta la historia del hombre que cruzó las Torres Gemelas fue la sorpresa en la entrega de los premios BAFTA (los Goya británicos). Superando a “Slumdog Millionaire”, ganó el premio a mejor película británica del año. Era la primera vez que un documental lograba tal distinción.

Quizás es que no nos encontramos sencillamente ante un documental, sino frente a una nueva forma original de hacer cine, de contar historias mezclando recursos de todos los medios audiovisuales posibles. Con una fantástica banda sonora original, cogiendo imágenes del pasado, reconstruyendo escenas y con un gran montaje el producto final es extraordinario.

Se cuenta la historia de un acróbata francés, excéntrico hasta resultar patológico, que soñaba con cruzar las Torres Gemelas. Técnicamente, “Man on Wire” es perfecta. Utiliza muchos recursos cinematográficos como la polivisión, alterna escenas en color y en blanco y negro, y todo bajo la estructura clásica de un documental. Los personajes reales, se auto-interpretan en un justo equilibrio entre la técnica de los grandes actores y la espontaneidad de las personas reales que son.

Pero no es la forma lo que hace destacar esta película. Es la carga emocional de la historia, el suspense vertiginoso, las sensaciones que produce lo que hace tan especial esta historia tan bien contada. Y toda esta mezcla de técnicas, sensaciones e historias desembocan en un fantástico final donde los personajes que contaban sus anécdotas se convierten en personas y donde ese pasado tan fantástico se materializa y se hace real en el presente.

Aunque quizás se excede un poco en metraje, “Man on Wire” consigue ser original, preciso y conmovedor al mismo tiempo. Una pequeña obra de arte vertiginosa.

Cuatro vidas

2008-09-29T06:39:00.000-07:00

Todas las películas se pueden dividir en dos. Las que se hacen con talento y las que no. A partir de ahí, la falta de talento se puede contrarrestar con mucha constancia y el talento se puede desaprovechar. Esta película no tiene talento (en ningún aspecto) y no ha sido bien trabajada.

En este caso, la película se titula en la versión original The Air I Breathe y se ha traducido por Cuatro vidas. Además esta película ya se grabó antes de los Oscar del año pasado cuando Forest Whitaker ganó la estatuilla, y ahora con el prestigio se ha estrenado en España. El filme nunca debería haber llegado a nuestra península. Nos habría ahorrado una hora y media de aburrida acción. Es curioso que ya hubiera salido en otros países en DVD, antes de su estreno en España.

Es lógico que no me ha gustado nada. No me gusta que me insulten, que me traten como a oligofrénicos, que intenten mandar mensajes estúpidos de forma subliminal. Todo lo que se ve es un absurdo, que me voy a poner a diseccionar ahora mismo; pero que no tiene mucho que explicar, porque me parece difícil encontrar algo medianamente bueno.

Últimamente, aquellos cineastas sin talento que citaba antes se dedican a plagiar sin pudor otros filmes con talento. No hablemos de influencias, por favor, cuando este filme es un ejemplo teórico de plagio. Coge trozos de Crash, Babel, Traffic, El Efecto Mariposa y prueba haber si sale algo con consistencia.

Todo está basado “presuntamente” en un proverbio chino que dice algo así como que la vida tiene cuatro fases: felicidad, placer, sufrimiento y amor. Las “cuatro vidas” de los cuatro protas simbolizan una de estas etapas. Qué curiosidad tan ingeniosa que ninguno de estos cuatro personajes tengan nombre. Sólo una de los protagonistas tiene un nombre ficticio, Trista (que creo que tiene algo que ver con triste/sufrimiento).

Las reflexiones calcadas de Crash, pero sin sentido, se disparan hiriendo al espectador. Parece que los personajes intentan ver quién dice la tontería más sensacionalista y pedante.

Tampoco podía faltar la acción. Ya saben, para las escenas de puñetazos, lo que hay que hacer es mover mucho muchas cámaras y consolidar mediante el montaje una reproducción de los hechos que maree. Después únicamente hay que añadir gritos. Así una detrás de otra, el pobre espectador que ha pagado su entrada y las palomitas comenzará a tener náuseas.

En otras ocasiones, es fácil adivinar todos los diálogos. Parece que el guionista se quedó sin “influencias” y tuvo que tirar de telefilmes para completar sus historias. Si no estuviera dispuesto a destripar la película, reconstruiría los hechos para que se pudiera apreciar lo absurdo que es.

Parece que otro tema que vende mucho son las reflexiones morales, las decisiones éticas tan difíciles de tomar y las citas filosóficas. No podían faltar entonces. La pseudo filosofía y una ambigua moral atacan persistentemente la conciencia del que vea el filme.

¿Qué más faltaba para que este subproducto cutre triunfara? Unos actores reconocidos, que además ha tenido su recompensa porque Whitaker ganó el Oscar ya hace dos años. La lista la encabezan el casi siempre infantil Brendan Fraser, Andy Garcia, Emile Hirsch, Julie Delpy, Whitaker, Kevin Bacon y Sarah Michelle Gellar (Sí, la poco agraciada actriz de la poco agraciada serie, Buffy cazavampiros). Quizás el único que se salva un poco es Whitaker, pero el resto está penoso. Me cuesta decidirme por los peores. Hirsch se ayuda de clichés para hacer el personaje de un niñato. Brendan Fraser pone cara de tontito en todas las escenas y Gellar no se queda corta. El resto está como ausente, porque por mucho que se haya pretendido, los actores no tienen todos la misma importancia.

Si tienen algo de amor propio, no vayan a verla.

The Queen

2008-09-28T05:38:00.000-07:00

The Queen fue en su día un éxito y una sorpresa. Obtuvo 6 nominaciones a los Oscar (siendo éste un filme británico) y fue un éxito en taquilla. Cuenta la historia de la Familia Real Británica y el recién elegido Tony Blair y su reacción después de la muerte de Diana de Gales.

Durante la primera hora tenía la sensación de estar viendo un documental entretenido de la BBC. En realidad, esta película se puede considerar un documental, porque simplemente intenta contar unos hechos de forma más o menos objetiva, o eso parece. Después, poco antes de la hora de metraje, la acción se centra más en la deadencia de una mujer llena de poder y la personalidad tan humana de todos aquellos altos cargos. Me encanta eso.

El guión es muy bueno. Es difícil tratar el tema de la Familia y la muerte de la princesa de Gales con tanta seriedad, sin olvidar a la persona que se esconde detrás de cada gran figura. Es admirable cómo se consigue dar tanta vida y personalidad a una Familia real que es tan lejana y a la vez tan cercana. Además, el guión traspasa las fronteras de los géneros y los temas incluyendo elementos de documental, temas introspectivos, la decadencia de la Familia. Muy acertado está (desde el guión) el punto de vista del P. M. Blair, que al igual que nosotros somos meros cómplices de su incursión en una organización monárquica con tanta historia… Después de ver la película no pude evitar pensar: ¿Algo así podría hacerse en España? Vale que nuestro Rey y sus parientes son más discretos…pero nunca tendremos el carisma británico.

A crear la mezcolanza de géneros y temas ha ayudado mucho el gran Stephen Frears. La dirección y el montaje mantienen un alto nivel durante todo el filme, pero debo destacar ciertas escenas. Cómo olvidar la secuencia aérea de la caza, la narración del accidente de Diana o la más emotiva y metafórica, el estancamiento en el río de Isabel II con todo su equipo.

Helen Mirren nació para hacer este papel. Me deja sin palabras, pero parece que no soy el único. En la Mostra de Venecia el público estuvo aplaudiendo su actuación durante 5 minutos después de la proyección. Es escalofriante cómo alguien puede olvidar su identidad para convertirse en una persona tan compleja como la Reina de Inglaterra.

El resto del reparto no está mal, pero queda relegado a un segundo plano, porque con Mirren no hay quien se compare.

Si hay algo que no me ha gustado ha sido la caricatura física del primer ministro. Es banal e infantil, parece un muñeco del Guiñol, aunque el actor que lo interpreta hace que a veces nos olvidemos de su estúpida estética.

Quizás sea The Queen un documental maquillado de película o viceversa. Además, no se consigue coger el ritmo de la película hasta bien entrada en metraje. Tiene algún que otro fallo que no me hace mucha gracia; pero en el fondo, es un filme fantástico.

Han sido muy valientes los productores al invertir tanto en un tema tan polémico. Es lógico que si se hace bien, cualquier producto que mezcle a Tony Blair con la Familia Real Británica y con Diana de Gales es un éxito en las taquillas de Reino Unido. Pero algo más tiene que tener para que ese éxito se consiga a nivel mundial.

No les puedo decir si The Queen es para tanto como dicen, a mí me ha gustado bastante y me ha enseñado una cuestión muy de actualidad como es la monarquía, aportando argumentos desde todos los puntos de vista. Ustedes decidan, pero no duden a la hora de verla.

Reprise

2008-09-28T04:59:00.001-07:00

Sigo con mis comentarios sobre cine nórdico. No estoy descubriendo ninguna maravilla desconocida por el público internacional, ya que en general el cine por aquellos países septentrionales es tan irregular como el español. Reprise, sin poderse considerar una película de culto es de las mejores sorpresas que me he llevado.

Lo mejor de todo es la primera escena. En 3 minutos, mientras transcurren los créditos iniciales se desarrolla un relato donde el principal tema es la metaficción, además contado desde una perspectiva nueva y chocante. En el fondo, lo que se explica es que la ficción que aquí se cuenta es mentira, que lo que pasa podría no haber pasado y que igual que las circunstancias en una película cambian, de tal modo, podrían no hacerlo o hacerlo de forma distinta.

Si extrapolamos eso a la vida, nos encontramos ante las reflexiones del determinismo, tan concurridas desde el siglo XIX. ¿Quién decide en nuestra vida? ¿Hasta qué punto las circunstancias cambian mi vida o me cambian a mí?

Además, una vez contemplados estos dos puntos de vista, llegamos a la paradoja de la ficción. Todo lo que era una falacia, la película entera es tan real como nuestra existencia.

Por ese principio, por los minutos que le suceden y por el final, merece la pena la película. Durante el excelente comienzo, mi cabeza pensaba continuamente que me encontraba ante una pequeña obra maestra del cine independiente, sin pretensiones pero eficaz. Poco a poco me di cuenta de que algo fallaba, pero aún así Reprise perdura como un interesantísimo film, entretenido y profundo con algún pequeño error.

La técnica narrativa es muy novedosa. Con pequeños saltos en el tiempo, enormes rótulos para dividir la película, historias cruzadas, narrador omnipresente se estructura el filme, que sólo hay rellenar con una buena historia.

El contenido es entonces lo que falla en la película. La situación desde la que empiezan los personajes también me ha gustado. Y el desarrollo también. Hasta que llegué a la hora de metraje aproximadamente. Llega un momento en el que el ritmo decae, las estructuras narrativas innovadoras desaparecen y la historia comienza a divagar y llenar metrajes sin ninguna acción.

Cuánto le cuesta a las películas independientes llenar los minutos establecidos por el cine comercial. Ése es el único pequeño detalle que no me ha gustado de la película.

La dirección de Joachim Trier es fantástica. Sin duda, es un joven danés al que tendré que hacer un seguimiento. Además es el co-guionista de la cinta.

La fotografía no falla. Son muy bellas las escenas de exterior y los dos escenarios con los que se relaciona a París.

El montaje también tiene mucha importancia ya que a través de él se consiguen aplicar las técnicas narrativas antes mencionadas. Y lo consigue con solvencia.

Los dos actores principales soportan toda la carga dramática del filme. Anders Danielsen Lie y Espen Klouman-Hoiner se llaman, y apuntan a estrellas en su país. Me impresionó la sutil belleza nórdica de Kari. También aparece un actriz durante unos escasos treinta segundos, pero me recordó muchísimo a Keira Knightley. Me pareció que era ella. Creo que luego no sale en los créditos pero hacía el papel de una tal Ingrid.

Entonces, concluyo diciendo que es ésta una gran película europea, muy efectiva en su planteamiento que cuenta una gran historia sobre la amistad, la iniciación a la literatura y el fin de la juventud. Sólo en algunos momentos pierde el norte y su fuerza se diluye, pero pronto se recupera.

La Naranja Mecánica

2008-09-27T12:40:00.000-07:00

Increíble. A Clockwork Orange es la película más famosa de aquel al que llaman Kubrik. Tanto se ha escrito sobre ésta película que no creo que sea capaz de decir nada que no ha sido dicho todavía. Mordaces críticas al tratamiento de la ultraviolencia se alternan con adulaciones a la capacidad de dirección de Kubrik. El director y guionista se volvió a reinventar a sí mismo adaptando una controvertida novela y dejó claro que siempre es un genio innovador en todas sus incursiones en os distintos géneros. Personalmente, yo haría una excepción, ya que aborrecí la bochornosa Eyes Wide Shut.

No voy a contar el argumento de esta archiconocida producción de la Warner. Como curiosidad, el filme fue clasificada en 1971 como X.

Dentro del guión se diferencian dos partes claramente. Incluso la forma en la que están dirigidas las escenas cambian. La primera parte es la presentación de la “ultraviolencia” y la segunda parte comienza a partir de la rehabilitación.

No me ha gustado la cantidad de violencia expuesta durante la primera mitad. Nunca me han gustado los filmes que regalan violencia por el mero hecho de ganar espectadores y provocar controversia. Por eso no me suelen gustar las películas de Tarantino ni me gustó El Caballero Oscuro. En realidad, algunas escenas tan incómodas han sido lo que menos me ha gustado pero en este caso existe un factor por el cual no puedo maldecir las escenas de los drugos. Lo que tiene este filme por el que haré una excepción es la dirección de Kubrik y el montaje.

El guión está muy bien escrito, basado en la novela homónima. Como muchas veces con las grandes obras, el título es muy especial y puede llegar a tener una explicación que yo no voy a proponer. Sólo quiero hacer notar la extraña relación entre un título curioso y la calidad de un filme. Intenta contar el problema de la rehabilitación o el castigo de los criminales. Qué hacer con las personas violentas, con los violadores y con los asesinos. Es un tema que parece estar de actualidad, aunque siempre lo ha estado en realidad. También se encuentra presente el tema de la moral, ya que parece ser que no es ético forzar a un hombre a hacer el bien, privándole de su libertad.

El contenido es muy interesante, pero también lo es la forma. El narrador, el propio y único protagonista, Alex, con su particular carisma y forma de hablar engancha al espectador desde la primera escena, mítica. El inglés antiguo que emplea al hablar, sus redundancias y sus sobreactuadas maneras han hecho de Alex uno de los personajes más famosos de la historia del cine, que tantas veces hemos visto en camisetas.

Todo está supeditado a la labor de Kubrik y a la música. El montaje es magnífico y la elección de planos y los cambios en el ritmo y la omnipresente música de Beethoven. La recreación de la bizarra lechería, el vestuario, la creación de los drugos como iconos de una nueva juventud indomable, la sincronización de la música con el montaje; todo es sorprendentemente bueno.

La actuación de Malcolm McDowell ha sido demasiado para su carrera, que no ha conseguido llegar a tener un papel de tanta calidad en el resto de su carrera. Supongo que parte de la culpa de su espectacular estética la tiene el director, pero pensemos que McDowell tuvo cierta importancia en el papel de su vida.

Sin duda, A Clockwork Orange es una obra maestra.

El arte de llorar a coro

2008-09-25T07:59:00.000-07:00

Kunsten at graede i kor. Este es otro triunfo del cine nórdico de título impronunciable, en inglés se ha traducido como The Art Of Crying aunque más bien significa El Arte de Llorar en Coro. Ha ganado 8 premios en su país natal, ha sido la presentada por Dinamarca a la Academia de Estados Unidos y ha cosechado éxitos en taquilla en sus países vecinos.

Se cuenta un dramón, la historia de una familia desestructurada en los 70. Todo esta visto desde los ojos de un niño de 11 años que se cree muy listo. En esto se parece un poco a El Niño del Pijama de Rayas, pero en éste caso el humor se reduce y el niño es menos ingenuo y forma parte importante en la tragedia.

El padre es un enfermo mental manipulador con oscuros deseos por su hija y tendencias suicidas. Odia estar tan poco reconocido socialmente y que su trabajo esté decayendo.

La madre hace tiempo que se rindió y prefiere hacerse la loca ante todos los problemas de su familia.

El hermano mayor estudia para ser arquitecto y hace tiempo que el odio hacia el padre le hizo abandonar el hogar.

La hermana está siendo torturada psicológicamente por su padre, que la maltrata y la aísla de los demás.

El niño pequeño y narrador es el cómplice de su padre, que hace todo lo posible porque esté contento.

Ante este panorama, el cabeza de familia empieza a tener cierto reconocimiento en el pueblo debido a su gran capacidad para hablar en los funerales. El pobre hombre es feliz haciendo llorar a los demás, porque así se siente superior a ellos. El niño no dudará en hacer todo lo posible porque su padre siga hablando en funerales.

Bien, la aparente complejidad de la situación no es para tanto debido a la correcta presentación de los personajes. El inicio no se hace pesado y ayuda a darse cuenta de la situación. Desde ese punto, la película sigue un in crescendo inquietante que llena al espectador del drama que sufren los personajes y llega a comprender psicológicamente el sufrimiento de aquellas personas ficticias que aparecen en pantalla.

Quizás todo la historia sea mentira, pero los sentimientos no lo son. Es muy dura, y muchos piensan que el cine no es para pasarlo mal. No sé si los que afirman eso tienen razón, pero debe haber un límite en cuanto a sufrimiento humano en las películas.

El guión es muy bueno desde el punto de vista técnico. La trama es compleja y muy profunda. No es fácil contar la historia de un padre pederasta, y se hace un buen trabajo a la hora de dirigir la historia desde el punto de vista del niño. Incluso dicen que el guión tiene grandes dosis de humor para aliviar el drama social; pero yo esas partes cómicas me las debí perder.

La dirección y fotografía es deslumbrante. Sobria y fría consigue crear imágenes muy bellas, sobre todo en las escenas de exteriores. Los paseos en carretilla y los funerales son increíbles y la dirección ha tenido la mayor responsabilidad.

Los actores: casi perfectos. El niño, para ser tan joven, hace un trabajo genial, aunque quizás no hubiese venido mal un poco más de complicidad con el espectador. La madre representa uno de los personajes más difíciles y sale airosa, al igual que la hija. El padre, y con esto completo la familia, hace que le odie tanto que puedo decir que ha conseguido el objetivo.

Ahora bien, la película es una tragedia del principio a fin y sólo aquellos que estén dispuestos a sufrir durante una hora y media (o más) deben ver esta película tan bien hecha.

Sobrecogedora en todo momento, no llega a innovar nada; pero la técnica cinematográfica y la profundidad del drama familiar construyen una película bastante interesante.

Tú que estas viviendo

2008-09-24T11:10:00.000-07:00

Du Levande se llama esta película en el idioma original (sueco), pero el título ha sido traducido a varias lenguas. En inglés se conoce como You, the living y en Argentina La comedia de la vida. En este último lugar se ha estrenado el pasado 4 de septiembre. De momento no ha llegado a España aunque en algunas páginas de cine se está anunciando como próximo estreno. Seguramente se titule Tú que estás viviendo.

El film es sueco, del director Roy Andersson que es más o menos conocido en el mundillo del cine independiente europeo actual. En su país natal es muy alabado y se le compara con Kubrik, aunque bueno, la relación es casi nula y en todo intento de comparación acabaría perdiendo Andersson.

Du Levande ha ganado numerosos premios y se ha presentado en distintos festivales como el de Cannes, Londres o Chicago. La dirección se supone que es el mayor logro de esta película.

Si hablamos del guión, debo confesar que la película carece de argumento. Uno detrás de otro se suceden 50 cortos que cuentan una pequeña historia de un personaje distinto cada vez. Todas las escenas tienen algo en común. Por un lado están los focos fluorescentes que se ocupan de la iluminación, creando así una atmósfera gris e incolora. La cámara siempre es fija, se sitúa en un lugar y no se mueve ni utiliza ningún otro recurso. Cuando se cambia de historia, vuelta a empezar.

Los personajes que aparecen son irreales y absurdos (en el buen sentido de la palabra). Han desarrollado actitudes solitarias o incomprensibles ante los demás y así se encuentran solos y sin amor. El mundo que recrea Andersson es onírico, surrealista. La sociedad ha perdido el alma, se sustenta del trabajo y la alienación y sólo algunos nostálgicos prefieren crear lazos afectivos. De esta forma, mediante el onirismo y el esperpento, se intenta consolidar un ambiente sugestivo y subjetivo que evoque algo en el espectador.

Si les digo la verdad, no lo he entendido. Muchos pensarán que detrás de cada incoherencia se esconde un sentido metafísico y metafórico que sólo el director y unos pocos más pueden entender. Siempre queda la duda de si somos tontos los espectadores que no comprendemos. Muchas veces he pensado que sí, pero en este caso comprendo que entender esta película requiere demasiada fantasía e imaginación.

Todo está representado con mucho humor negro, sordidez y lámparas de IKEA. De vez en cuando, alguna ilustración del Quijote colgada en la pared hace un guiño al padre de la parodia. Algunos gags que se ilustran son realmente buenos, de verdad. Muy ingeniosas e inteligentes resultan algunas escenas, siempre absurdas, pero graciosas. También, algunas imágenes disparatadas acumulan una gran belleza. Aunque sólo sea por eso, el visionado del filme puede no ser una pérdida de tiempo.

La ironía, según he leído en periódicos, existe; pero yo todavía no la he encontrado. El carácter aburrido, monótono, gris y frío de los escandinavos se enseña de forma exagerada para así crear situaciones divertidas. Es por eso que a los nórdicos les encanta Du Levande, pero en el resto del mundo no se ha entendido bien ese humor plastificado.

El guión hay que admitir que es innovador. Esa estructura tan bizarra y algunos recursos postmodernos hacen que Du Levande sea bastante novedosa en cuanto a cinematografía. Pero no voy a caer en el craso error de alabar todo lo nuevo por el hecho de ser moderno. Una película debe tener mucho más que algún disparate contado de forma totalmente distinta a lo antes visto.

La primera media hora que es la que sumerge al espectador y le explica la estructura impactante y cómica. El problema es que quizás, se habría podido condensar toda la fuerza narrativa y visual en menos metraje; pero al forzar la hora y media de duración, la película en varios momentos llega a aburrir.

El reparto coral deja a los actores en un segundo plano. Alguno se desenvuelve con más gracia que otro, pero nada reseñable; y de todas formas, no me acordaría de sus nombres suecos.

No sé si llegará la película a España. Si llega, sólo se la recomendaría a amantes del cine nórdico y a espectadores con una capacidad artística y filosófica superlativa.

Vicky Cristina Barcelona

2008-09-22T08:43:00.000-07:00

Muy buen título para la película de Woody Allen: “Vicky Cristina Barcelona”. En eso no puedo presentar ningún dato objetivo de por qué me gusta. Sólo puedo decir que me parece muy original, armónico y además resume (muy resumida) perfectamente la trama.

La cinta cuenta la historia de dos amigas estadounidenses, Vicky y Cristina (Rebecca Hall y Johansson), que vienen a veranear a la Ciudad Condal.

En los primeros minutos de la película, Cristina cuenta que intentó hacer un corto que definiera lo que es el amor. El paralelismo que se establece entre aquel corto frustrado y ficticio con el filme de Allen es muy original, porque “Vicky Cristina Barcelona” es un intento de acotar semánticamente el amor. Es de esos detalles que engrandecen las comedias del director, que en manos de un cualquiera apenas conseguirían la calificación de “entretenida”.

La acción toma lugar en dos lugares de la geografía española, Barcelona y Oviedo (y alrededores). Las dos ciudades tan distintas son un personaje más en esta obra, un complejo dinámico que interactúa en las experiencias de las dos protagonistas. El director ha sabido exprimir al máximo la esencia de las villas españolas, idealizándolas y llenándolas de vitalidad. Estoy seguro de que los ayuntamientos de ambas ciudades están encantados de la promoción que han tenido internacionalmente; porque si yo fuera extranjero y hubiese visto la película, estaría deseando conocer Barcelona. Aquí en España, tendemos a menospreciar lo que tenemos; pero siempre nos quedará Woody Allen.

Con la ironía que caracteriza al guionista, se anteponen dos formas totalmente antagónicas de entender el amor. Por un lado, Vicky es una mujer conservadora en cuanto al amor, que busca algo estable y cree en lo mismo que han creído sus padres: un buen matrimonio. En cambio, Cristina es una soñadora muy progresista (en cuanto al tema de las relaciones sentimentales) que siempre ha buscado algo más pero nunca lo ha tenido tan claro.

Con mucho humor se contraponen estos dos modos de vida, siendo crítico con los ambos. Parece que en el “pseudoliberalismo” sentimental al que tendemos en Occidente no exista un límite claro, ni un objetivo claro de qué se quiere conseguir en el amor. Por otro lado también parece que el concepto de amor y dependencia del s.XX se está quedando anticuado. Woody Allen expone en clave de comedia cómo está el panorama de las relaciones amorosas en la actualidad, donde parece que estamos perdidos.

Es interesante que la dirección no sea nada destacable, como sí nos tienen acostumbrados. Algunos planos están muy logrados, pero en general, no destaca la dirección más allá de la pura corrección.

Lo mejor del trabajo de Allen es sin duda el guión y la estructura de contraposición que mantiene el filme. El narrador metafísico y omnipresente que cuenta la historia es un gran acierto que otorga un ritmo rápido a la obra, para que así resulte muy entretenida. Los diálogos son deliciosos y el punto fuerte de la película. Las reflexiones que parecen pasajeras e intrascendentes esconden profundas tribulaciones detrás. Los personajes están genialmente retratados, y además de ‘ser’ personas, ‘representan’ distintas actitudes ante la vida.

Los actores han sido elegidos muy bien. Penélope Cruz está brillante. Su papel de española castiza desequilibrada lo borda, y además está muy graciosa. Lo que no sé es si el papel (hacer de loca) tiene la dificultad de un Oscar.

Rebecca Hall, la joven morena que interpreta a Vicky, es otro punto a favor. Aunque es una gran desconocida para muchos, hay que admitir que supera con creces la labor interpretativa de su personaje antagónico representado por Scarlett Johansson.

Bardem está bien, y Scarlett Johansson no está en una de sus mejores actuaciones. La escena en Oviedo en la habitación de Bardem llega a resultar vergonzosa. También puede ser que el papel sea un poco novedoso para lo que conocemos de la siempre pensativa Scarlett Johansson.

No puedo decir que sea esto una obra de arte, no es perfecta y puede resultar algo intrascendente, pero no tengo otra opción que recomendar fervorosamente la película a fans de Allen y a aquellos que quieran ver una buena comedia sin esperar que les solucione la vida.

Conclusión, “Vicky Cristina Barcelona” es entretenida, interesante e inteligente: pedir más a una película es crear dañinas expectativas.

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Smoke

2008-09-16T08:51:00.001-07:00

Paul Auster es uno de los grandes escritores de la literatura norteamericana actual. Ha escrito libros muy variados. El que tiene quizás más semejanza con el filme es Trilogía de Nueva York, por el emplazamiento. En España se acaba de publicar su última novela Hombre en la oscuridad.

Él es el guionista de Smoke, estrenada en 1994. Cuenta la vida de varias personas que están relacionadas con un estanco en Nueva York. El guión es de lo mejor del filme, y me atrevería a afirmar que lo importante no es lo que se cuenta sino cómo se cuenta.

Dijo Juan Ramón Jiménez que él quería quitar los ropajes [del Modernismo] a la poesía para conseguir una poesía pura. Sólo hay que sustituir la palabra ‘poesía’ por ‘cine’ para entender el desarrollo de Smoke. Auster y el director Wang han cooperado para hacer un filme excelente, lejos de giros en el guión inesperados, lejos de trucos efectistas en la dirección y lejos de crear una realidad ficticia. De esta forma, los personajes parecen tan reales como el propio escenario.

La película es un buen estudio sobre las relaciones humanas. Además, Wang ha conseguido que Nueva York sea la ciudad llena de sueños e historias que en realidad es. Desde la dirección y el montaje, se ha tenido mucho cuidado en el ritmo que lleva la película. Tenía que ser constante, rápido pero no frenético y así es como se ha hecho.

Se ha considerado Smoke como una película de cine ‘indie’ en algunas ocasiones, aunque yo no creo que sea así. Los actores son todos conocidos, estrellas de los 90 que algunas siguen vigentes en la actualidad y otras las ha consumido el olvido. Harvey Keitel (nominado 1 Osc.), William Hurt (won 1) Harold Perrineau (surprise), Forest Whitaker (1 =sc.) Stockard Channing (nom year before), Erica Gimpel (Fama) y Ashley Judd

Quizás, los dos actores más acertados son William Hurt y Harvey Keitel. William Hurt ha ganado un Oscar y ha hecho incontables películas y se nota su experiencia. A Harvey Keitel le pasa lo mismo. Está estupendo. La última escena (sobre la que se basó la película) habría sido aburridísima si no fuera por Keitel, que deja para el recuerdo una lección de interpretación.

El joven negro, Harold Perrineau es una de las apuestas más arriesgadas del filme, y a mi parecer, lo hace muy bien. El resto de actores también son archiconocidos. Stockard Channing (casi olvidada en la actualidad) fue nominada al Oscar el año anterior. Erica Gimpel estaba en su mejor momento después de haber terminado con “Fama” y actualmente se dedica a las series de TV. Aparece Ashley Judd durante unos pocos minutos. El que tampoco era conocido en esa época era el gran Forest Whitaker que ganó un Oscar por The Last King of Scotland.

Wang y Auster codirigiendo hacen un buen trabajo, aparentemente sencillo, pero no se debe pedir más. Los decorados de los apartamentos y la representación de NYC recogen la esencia de la ciudad y de los personajes.

Otro punto que me ha gustado mucho es la relación que se establece en la película con la literatura y el tabaco. Además, siendo políticamen incorrecto fumar en las películas, en casi todas las escenas hay una persona fumando.

La aparente simpleza de la propuesta, la humanidad de los personajes y el emplazamiento engrandecen una gran película que enriquecerá al espectador. Smoke es una pegueña gran obra maestra

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Reservoir Dogs

2008-09-16T08:35:00.000-07:00

Lo de Tarantino no es normal. Reservoir Dogs es su segunda película y en ella se puede captar estupendamente el estilo del director detrás de la cámara, al igual que sus excesos.

En esta cinta sigue los patrones que tienden a seguir todas sus obras. El eje cronológico no es lineal, en muchas ocasiones aparecen pantallas en negro con rótulos para dividir las escenas. Me parece correcto en ese punto.

Por otro lado, Tarantino desarrolla todas las acciones con un “Modo de presentar, enjuiciar o comentar la realidad, resaltando el lado cómico, risueño o ridículo de las cosas, que se ejerce a propósito de cosas que suscitarían, contempladas desde otra perspectiva, piedad, terror, lástima o emociones parecidas.” Así es como define la Real Academia su humor. Es decir, Quentin se dedica a transformar la realidad para llegar a hacer cómico cosas que no lo son. Ya lo hizo Quevedo en su tiempo, pero eso también está bastante bien.

Todo lo que crea el cineasta americano se convierte en oro instantáneamente para la cultura pop. Puede ser un traje manchado de sangre, un personaje o un chándal amarillo, que todos eso objetos serán considerados un icono de la sociedad actual. Sin duda, Tarantino es carnaza para las megalomanías y se nota que le encanta su faceta de iconoclasta, de líder cultural de una nueva generación y de innovador. Eso hasta cierto punto también está muy bien.

La banda sonora también supone una innovación en cuanto a la elección de los temas y la relación que tiene la música en la trama, más allá del vacuo ornamentación.

El reparto ha sido seleccionado de acuerdo a un [elevado] presupuesto del que disponía la película desde la producción. Aún así, el casting podría haber sido un fiasco y no lo es. Entre los Dogs se encuentran Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsem, Steve Buscemi, Edgard Bunker (murió en 2005) y el propio director. Sin duda, el mejor trabajo (y el mejor papel) se lo ha llevado Tim Roth que crea el personaje con mayor carisma del filme. También me ha hecho gracia Steve Buscemi, porque es uno de los pocos feos de Hollywood que han conseguido triunfar, más o menos.

Debo mencionar también al fallecido Lawrence Tierney y a Chris Penn. Éste último me parece que ha hecho de sobreactuar su seña de identidad y es lo segundo peor de Reservoir Dogs.

Hay dos cosas que me han gustado por encima de las demás. Una es el talento innato que tiene Tarantino para crear imágenes con una cámara. Picados, contrapicados, desenfoques, planos secuencia… Toca todos los palos y cada imagen está tremendamente lograda. Sin duda, es un genio este director. Asociada a la característica anterior, los decorados y las escenas en el almacén son perfectos para ambientar la sordidez de la historia de unos pobres hombres que llegaron a autodenominarse profesionales. Excelente.

Con todo lo que he dicho, Reservoir Dogs podría haber llegado a ser una obra maestra si no fuera por un importantísimo detalle. Hay excesos en el cine que no se deben consentir. Divertirse, entretenerse con la violencia humana se considera sadismo y no es una conducta aceptable moralmente. Numerosas escenas (recuerden la tortura en el almacén) sólo buscan crear morbo, entretenimiento y diversión a partir de la violencia. Eso es inaceptable, señores, en una película. Y no quiero ser dogmático ni conservador, pero no es moral la cantidad de sadismo que tiene la película.

Excelente técnicamente, con un gran reparto, bastante humor y el talento de Tarantino; Reservoir Dogs falla por sus excesos en cuanto a violencia innecesaria y puramente lucrativa.

Buscando a Nemo

2008-09-15T09:21:00.000-07:00

Buscando a Nemo es una de las consideradas mejores películas de animación de los últimos tiempos. Todo se debe al fenómeno Stanton. Andrew Stanton es el escritor de las películas de animación de los estudios Pixar. Él ha escrito Toy Story, A Bug’s Life y Monster’s Inc.

A principios de esta década, le han ascendido a director de los nuevos filmes de los estudios. Finding Nemo es su tercera película como director, y después ya viene la magnífica Wall•E.

La cinta cuenta la historia de un padre al que se le pierde un hijo y tiene que buscarlo por todo el océano. A este tema, se le suman otros como el crecimiento de los hijos o el miedo al cambio.

El objetivo de Stanton está claro cuál es, me parece a mí. Él quiere ofrecer un producto consumible por todos los miembros de la familia, que entretenga a todos y que se erija sobre valores fundamentados para la educación de los más pequeños. Sin duda, el objetivo se consigue con creces. Todo aquel que acuda al cine pasará un buen rato disfrutando de las gracias universales e ingeniosas.
Los valores de la amistad, la valentía, la ayuda a los demás se funde con distintas emociones como el amor, la añoranza o el miedo. Si se intenta profundizar un poco más (porque se puede), Nemo es un joven que quiere crecer y que debe arriesgarse para vivir, aunque le salga mal la jugada.

Algunos momentos son francamente divertidos como el de los tiburones australianos haciendo terapia de grupo o el del diálogo con la ballena. Por cierto, la película tiene más gracia en Versión Original (como siempre), para poder notar el "aussie Accent" de los tiburones y todos los demás bichos australianos.

Tachar de simple y previsible el argumento de Buscando a Nemo es absurdo. Una película dirigida (también) al público infantil no puede tener muchos giros impactantes en el guión. Sabiendo y entendiendo esto, lo verdaderamente genial de la película es la capacidad que tiene de crear un mundo acuático tan humano. A esto hay que añadirla las escenas tan cómicas que inundan esta sociedad acuática.
Como siempre, Stanton hace referencia y crítica a los humanos. Lo ha hecho más de forma más explícita en Wall•E, aunque en este filme también esté presente. Repleta de humor, la visión del guionista acerca de los humanos es bastante crítica, por no decir pesimista. Ahora somos nosotros los que ensuciamos los mares y alienamos a los animales, y es verdad en cierto modo.

Buscando a Nemo es una película interesante pero no imprescindible, perfecta para una velada cinematográfica en familia.

Annie Hall

2008-09-15T05:03:00.000-07:00

Allen Koningsberg aka Woody Allen en una de sus mejores cintas. Annie Hall es una de las mejores comedias jamás vistas gracias al guión y a la figura del escuchimizado protagonista.

El argumento es muy simple: La evolución en la relación sentimental de una pareja. Eso sumado a algún flashback de amores anteriores es todo. En un principio, resulta fácil decir que el argumento flojea. Pero yo ya no creo eso. En todas las comedias románticas se cuenta una historia de amor, pero Annie Hall no sigue los patrones del resto de comedias facilonas.

Frenéticamente se disparan los chistes y las anécdotas al espectador, que no tiene ningún segundo para aburrirse y relajarse. Se podrían recordar todas las escenas por separado, ya que los chistes ingeniosos e inteligentes son realmente hilarantes.

Las técnicas utilizadas también son bastante innovadoras. Fusión de imágenes para crear el alma de Annie Hall saliendo del cuerpo, Woody Allen tuteando al espectador, haciéndole cómplice de sus irreverentes valoraciones. También destaco la aparición animada de Woody Allen en Blancanieves, muy divertida.

Me han encantado las parodias de ciertos estereotipos. Muy buena la escena con el crítico pedante (al que todos nos parecemos un poquito), la del megalómano televisivo, la feligresa de Bob Dylan… Es como si de forma inteligente hubiese decidido burlarse de tantos y tantos estereotipos con un resultado admirable.

La dirección también es muy irregular, en el sentido de alternar planos lentos y conservadores con planos secuencia y cámara de mano. Las escenas cortas se compensan con planos fijos y largos. Perfecto.

Los actores han sido escogidos muy bien. Woody Allen es el que lleva toda la carga cómica. Es un genio. De este filme han quedado numerosas citas que se han parafraseado mil veces. Allen fue nominado al Oscar como guionista, director, película y actor. Ganó todos menos éste último, aunque no fue a recoger el premio porque tenía que tocar el clarinete.

Diane Keaton está espléndida. Corren rumores de que toda la cinta esté basada en la propia historia de amor entre Keaton y Allen. Ella es una mujer imperfecta, culta, desesperada y con mucho sentido del humor. Muy guapa, por cierto.

El resto del reparto también está muy bien escogido. Paul Simon (el famoso cantante) y algún cameo más por ahí dan su granito de arena a la comicidad e la obra.

Por otro lado, la historia de amor es casi la utopía de freaks, geeks and losers del mundo. Me
recuerda a otras historias de amor actuales donde el feo se queda con la diva, como Chris Martin y Paltrow o Sarkozy y Bruni.

Como cabe esperar, la película ha sido mil veces copiada, homenajeada y plagiada. Recuerdo con cierto agrado películas como When Harry met Sally y Something’s gotta give.

Cuando pienso en las nuevas comedis que quieren ser innovadoras, ingeniosas y atípicas, me doy cuenta de que Annie Hall ya lo supo hacer como nadie hace 30 años.

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El Novio de mi Madre

2008-09-14T15:55:00.000-07:00

El Novio de mi Madre es una de tantas comedias que pretende ser atípica y ocurrente; aunque sólo lo consigue durante algunos escasos pero hilarantes momentos. El título debería ser, ya desde el principio, mucho más pegadizo; algo así como PS: I love you y en realidad lo es, sólo que en España no se sabe traducir. El título original es I Could Never Be Your Woman, algo así como “Nunca podría ser tu mujer/chica”

La directora y guionista es Amy Heckerling. Suelo tener cierta empatía por los cineastas que son a la vez directores y guionistas porque me parecen emprendedores, valientes y pluriempleados.

Pero esta vez, la historia falla. Para ser conciso, el argumento no falla sino que se repite. Una mujer cuarentona se enamora de un joven apuesto, inteligente y apasionado a la vez que sufre una crisis personal y educa a su hija. Original. A esto se le puede añadir que la mujer es la productora de un programa sobre y para adolescentes; su hija es entonces una gran fuente de inspiración.

Tras esta fachada argumental tan poco atractiva, llama la atención el genial reparto. Por un lado está Michelle Pfeiffer como la protagonista, Paul Rudd como el joven y Saoirse Ronan en el papel de la hija.

Michelle Pfeiffer no defrauda. Sus intervenciones a veces resultan hasta graciosas. Dentro de lo tópico de las cuarentonas en crisis, se podría decir que la ex-Catwoman realiza una fiel, creíble y casi entrañable interpretación. Aunque en realidad ella esté más cerca de la cincuentena, han desaparecido sus arrugas. Resultan algo irónicas las constantes críticas a la cirugía estética por parte de la operadísima actriz en la película.

Paul Rudd me ha sorprendido también. Nunca habría pensado viendo a este actor que podría llegar a resultar divertido, gracioso, entrañable y guapo. Yo pensaba que era más bien soso. La verdad es que en esta película no me ha parecido insulso y eso ya es bastante bueno. Poco más que decir, hace lo que le mandan y pone cara de tonto mientras le brillan los ojos. Es el estímulo en la cinta de jóvenes y treinteañeras. Aunque en la película tiene 29 años, en el rodaje contaba con 37 abriles.

Y para mí, lo mejor de la película es Saoirse Ronan. Ella es la niña. Me sonaba mucho, pero hasta los créditos no descubrí que la protagonista infantil era la extraordinaria actriz de Expiación. En esta película, ella es el aliciente y la gracia. Además, demuestra que no se dedica únicamente a dramones y puede llegar a ser una actriz emotiva en las comedias. Aunque también es debido al guión, los mejores gags corren a la cuenta de la pequeña gran Saoirse.

También aparece reinventando a Pepito Grillo, Tracey Ullman, como conciencia madura e “irónica” de Pfeiffer. Nada relevante.

La dirección y la iluminación sí que me han dejado completamente confundido. A alguien, se le ha ocurrido la maravillosa idea de sobreexponer cada fotograma de la cinta. De esa forma, no se pueden apreciar las arrugas de Pfeiffer y todos parecen más guapos, con un aura angelical. Pero este efecto también hace que no se vean las narices de los actores y que todo se vea excesivamente claro. Un desastre.

Superando alguna idea absurda y fracasada, se salvan algunas referencias en el metraje. Son muy buenas las alusiones al mundo del cine actual. Sobre todo, los insultos dirigidos a la cirugía plástica y las bromas con la generación de Michelle Pfeiffer. Todas las escenas de Saoirse resultan entretenidas. En el principio, algunas llegan a ser ingeniosas.

Pero para mí, lo mejor de la película es la canción de la niña al final. Con la música de la famosa canción “Ironic” de Alanis Morissette, le ha cambiado la letra para cantarla en un concierto. Las mofas y referencias a Bush, Michael Jackson y la nueva generación de famosas como Paris Hilton son los temas de la canción. El título, en vez de ser “Ironic” es “Moronic” (algo así como “que tiene el pavo”). Resulta curioso, que esta canción no se haya traducido ni subtitulado en la versión española. Se pierden los hispanohablantes lo mejor de la película. Además, la joven irlandesa canta de fábula. Recomiendo el visonado en Youtube de la canción aunque sea.

Entonces, lo que se presenta es una feel-good comedy bastante monótona y aburrida si no fuera por la joven Saoirse Ronan y alguna que otra referencia mordaz a la jet set actual.

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Magnolia

2008-09-13T08:04:00.000-07:00

Últimamente estoy repasando el cine de protagonista colectivo y unos de los referentes de este estilo post-moderno es Magnolia, de Paul Thomas Anderson, guionista y director también de There Will Be Blood.

Se estrenó en aquel maravilloso y prolífico año del 99. La competencia con filmes como American Beauty, Fight Club, The sixth sense, The Matrix, The Green Mile hizo que Magnolia no tuviera un reconocimiento importante por parte de la Academia, aunque la cinta no lo necesite.

Anderson, después del éxito de la anterior Boogie Nights pudo hacer lo que quisiera con total libertad en su siguiente filme. Para ello, repitió con casi todos los actores y creó una película innovadora, sin temor a las críticas ni a las ventas.

Estimar la calidad de Magnolia es más difícil incluso que seguir la trama. El filme, de más de tres horas de metraje, cuenta la historia de siete personas en San Diego cuyas vidas se entrelazan.

Los primeros seis minutos de la película son fabulosos, intrigantes y discurren a un ritmo vertiginoso. Se consigue perfectamente encaminar el desarrollo de una película, dejando claro sus características: atípica, con un ritmo inusual, global y extraña.

Como sería lógico, la siguiente escena bajo la versión de “One” sigue sorprendiendo al espectador, que parece que va a ser incapaz de relacionar la vasta información que se puede llegar a proporcionar durante una canción.

A partir de ese momento, las historias que se cuentan pertenecen a personajes relacionados entre sí cuyas vidas tienen patrones similares. Todas las tramas principales y los personajes principales tienen la misma importancia. Ninguno aburre y ninguno desentona quizás debido a la similitud entre personajes.

Las tres horas no se hacen largas (ni cortas) y transcurren con la ayuda de un director que ha incluido todos los recursos efectistas que ha podido. Este es uno de los puntos negativos de la obra. También, hay alguna subtrama que queda poco trabajada, como es la del niño rapero. No se entiende muy bien el crimen del principio, por ejemplo. Algunos detalles así, como el excesivo planteamiento que pretende abarcar demasiadas cosas hace que Magnolia no pueda ser calificada como excelente.

Pero el resto es perfecto. Los personajes, todos depresivos, parecen la deformación de los distintos momentos bajos que podemos tener en cualquier etapa de nuestra vida. Desde el niño pequeño al más anciano; viviendo depresiones, adicciciones, infidelidades y enfermedades, se pretende abarcar las dificultades que tiene la existencia del hombre durante su vida. Y lo que nos crea esos problemas es nuestra propia consciencia. Como dijo Kierkegaard, parece que Magnolia quiera probar lo más fielmente posible que después de todo, lo que pesa y lo que guía al ser humano es la Angustia Vital.

También parece querer exponer que hay algo en este mundo, se puede llamar religión, que mediante casualidades mueve las pequeñas historias humanas. Desde el primer momento se afirma “Because strange things happens”. Por ello, varias casualidades y relaciones, muchas metafóricas (como la genial lluvia de ranas), ocurren durante las interacciones del filme.

El reparto está increíblemente acertado. La primera mención es para Tom Cruise, que hace un papelón. Interpreta a un líder espiritual algo trastocado que salta por los sofás en las entrevistas. Por este papel fue nominado al Oscar. Casualidades de la vida que 8 años más tarde, Cruise sea visto como fanático líder religioso que salta por los sofás en las entrevistas con Oprah…debió meterse mucho en su papel haciendo este filme.

Philip Seymour Hoffman, William H.Macy, Julianne Moore, Felicity Huffman, John C. Reilly, Melora Walters… caracterizan extraordinariamente bien a sus personajes. La mayoría de estos actors están considerados como los grandes actors secundarios del cine americano y eso es lo que son en esta película.

El niño, Stanley (Jeremy Blackman), hace una gran labor aunque su carrera no haya despegado después de la película.

Aimée Mann es otra importante baza de la película. Ella es la que interpreta casi todas las canciones de la banda sonora. El momento culmen de la película, antes del desenlace final, cuando todos los personajes cantan junto a Mann la canción “Wise Up” es muy emotivo. Recomiendo la búsqueda en Youtube. Aunque sea efectista y sensacionalista, me encanta.

Para acabar, únicamente puedo loar al máximo responsable de esta obra de arte imperfecta Paul Thomas Anderson. Su capacidad como director y guionista ha hecho que su persona sea de las más alabadas del panorama estadounidense actual.

En esta película, el montaje, las reconstrucciones de los hechos y la imaginación utilizada evocan un cine fresco y profundo, lejano del mundanal ruido comercial. El resultado final resulta onírico, como un poema conceptista que acumula numerosos temas muy importantes en un espacio muy corto. Existen muchos detalles muy buenos que obligan casi a un segundo visionado.

Magnolia es un filme inteligente e impactante. La capacidad innovadora del director y la profundidad del mensaje crean una atípica obra de arte, imperfecta a la par que emotiva.

La noche es nuestra

2008-09-09T01:58:00.000-07:00

James Gray, guionista y director de filmes bastante similares, vuelve con sus dos actores fetiche Mark Wahlberg y Joaquin Phoenix a hacer un drama policíaco.

Después del visionado y la consiguiente reflexión, he encontrado que tengo muy pocas cosas malas que decir pero tampoco he encontrado cosas buenas que mencionar. En resumen, muy correcto drama que no consigue cubrir las pretensiones del director que hacen del filme un producto más bien prescindible.

La dirección es buena, mejor dicho, correcta. James Gray sigue haciendo lo mismo de siempre, a ver si nos sorprende un poco en su nueva película presentada en Cannes. Su labor no resulta innovadora en ningún aspecto, pero mantiene el nivel acorde con la calidad general del resto.
En algunos momentos, la música y las tomas pretenden intensificar una carga dramática que no existe, porque la historia no consigue producir ninguna sensación emotiva en el espectador.

En cuanto al grupo interpretativo, ya se sabe, actores de renombre. Robert Duvall con Oscar, Joaquin Phoenix con dos nominaciones y Wahlberg con una. Pero ninguna de estas tres actuaciones sobresale notablemente. Quizás Duvall y Phoenix sobrepasan a Wahlberg, que no alcanza ni de lejos el nivel de Infiltrados.
También tiene papel Eva Mendes (Ghost Rider, Training Day, Hitch..). Su función en la película más que actuar es proporcionar erotismo. Para ello, se incluyen tórridas escenas de amor que carecen de sentido, pero así piensan que van a vender más. Con estos detalles, se nota la calidad de una película que sólo pretende crear un filme a la carta. Al final, ya parece que consigue que la dejen actuar un poquito. Curiosamente, cuando empieza de verdad su trabajo interpretativo, aparece mucho más fea.

James Gray vuelve a escribir el guión. El argumento contiene mucho más fuerza dramática de la que luego se encuentra en la película. Por algún lado ha perdido fuelle Gray. La tensa relación familiar y los problemas de la novia de Bobby son realmente buenos conflictos que retratar, pero casi no se les da importancia.
Después del primer giro argumental, la película destapa toda la intriga que pueda tener para contarnos cómo va a ser el final, una hora antes del desenlace.
Aunque supongo que es pura casualidad, percibo muchas similitudes con American Gangster, aunque la calidad de ambas sea tan dispar.

Poco más que decir. La noche es nuestra es previsible y a veces pretenciosa. Incluso así, resulta entretenida y ágil aunque al fin y al cabo sea un producto totalmente innecesario.

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Código desconocido: Relato incompleto de diversos viajes

2008-09-05T07:19:00.000-07:00

Estaba en deuda con el director y guionista Michael Haneke por la cantidad de sensaciones y pensamientos que me provocó con Funny Games. Así, me decidí por ver Código desconocido.

El planteamiento es original a la par que innovador y queda muy bien resumido en el subtítulo: “Réplet incomplet de divers voyages” o sea “Relato incompleto de diversos viajes”.

La película busca criticar a la sociedad desde dentro, enseñar de forma clara la violencia y la marginación que existe intrínsecamente dentro de la nueva sociedad europea, que ataca transversalmente a los integrantes del primer mundo. Con una mano firme, Haneke nos muestra el lado oscuro e incómodo de Europa, los prejuicios, el racismo (tanto de blancos a negros como viceversa), las diferencias entre culturas, el fracaso y las falsas promesas, la inseguridad actual, supersticiones, injusticias…

Los dilemas que en Code Inconnu aparecen no tienen [fácil] solución, quizás sea cuestión de tiempo, o no, o quizás estamos yendo a peor. La sensación final que me dejó la película es de tristeza e impotencia. El director austriaco, con su particular estilo sobrio y provocador, plantea problemas a los que la sociedad da la espalda pero que a todos nos afectan.

Entonces, sabiendo esto, hay que agradecer la siempre presente valentía de Haneke para afrontar la película. Es un reto muy difícil. Para ello, decide filmar trozos casi aleatorios de distintas vidas que en el fondo están conectadas. Ninguna historia tiene fin. De ahí decir que es un relato incompleto. La sociedad como tal, la nuestra, no finaliza hasta que sus integrantes lo decidan, como la película.

El resultado visual de esta idea consiste en una serie de escenas que se suceden entre cortinillas en negro donde se intenta transmitir mediante pinceladas una situación dramática global. En el cine independiente o no comercial actual, se busca muchas veces conseguir representar una situación en vez de una historia. Aquí no existe ninguna historia, ni intriga ni final, toda la película es un intento de explicar una situación. Hay a quien le guste esta forma de hacer cine y a quien no. Para aquellos que no les gusta, calificarán a Haneke de pedante y pretencioso y puede que llegue a serlo de vez en cuando.

Pues bien, aquí llegan los problemas. El primero es la gran irregularidad que existe entre las distintas escenas. Hay algunas escenas de gran calidad técnica y artística, pero en cambio otras parecen vacías de contenido y que sólo tienen cabida en el filme para alargar el metraje.

El principio y el final: alfa y omega, me han apasionado. Las metáforas de los sordomudos y la tristeza de la última escena, donde nadie está contento pero no se puede encontrar la causa… Perfecto.

También la segunda escena, la primera después de los créditos me ha gustado mucho. Me parece que resume muy bien la idea de la película en dos minutos cambiando las vidas de muchas personas por un accidente banal y ordinario.

Pero durante el desarrollo, hay pasajes que buscan tanto el minimalismo que no se llega a entender el mensaje. Como consecuencia de estos deslices, el ritmo lento en ocasiones se hace demasiado pesado.

Tampoco me parece clara la conexión que existe en algunas historias. Por ejemplo, los rumanos resultan distantes e inconexos hasta el final donde ya se entiende un poco por donde van los tiros. Hasta los últimos diez minutos, parece que el panorama rumano sólo busca contrastar con París. Estos y otros momentos inconexos hacen que no se recupere el sentido de la película hasta la última media hora.

Detalles magníficos en cambio no le faltan a esta obra. Incluso ha habido momentos que me han encantado aunque después no les he encontrado ningún sentido dentro de la esencia de la película. Será pura belleza lo que consigue crear Haneke a veces. La idea del fotógrafo con el obturador de mano, Binoche en el metro y el desenlace de la mujer rumana conforman los detalles por los cuales Code Inconnu no puede pasar despercibida.

Juliette Binoche es sin duda otro gran acierto. Es una grandísima actriz y bellísima que representa el papel más difícil de todos. Ella es una mujer burguesa, actriz que busca engañarse a sí misma con un falso altruismo hacia los demás. Su papel es complicadísimo y podría haber caído en la ausencia de sentido si no llega a ser por Binoche, que llega a hacer que su personaje tenga la mayor importancia y que los demás, secundarios, giren en torno a ella. Es lógico que Haneke y muchos otros directores se hayan rendido ante ella. Seguramente, el personaje que interpreta, Anne, es con el que más se identifica a la nueva clase media de la UE.

Como conclusión, Código desconocido es una película que abarca demasiado con su planteamiento y a la hora de ponerlo en práctica Haneke realiza una labor algo irregular. Su visionado a veces se vuelve lento, pero ciertos detalles magníficos hacen que recomiende esta extraña obra coral.

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Sin perdón

2008-09-03T15:18:00.000-07:00

Clint Eastwood mató el cine del Oeste en 1992, sin perdón.

Acabo de ver la película por la que el famoso cineasta ganó el Oscar al mejor director (y tres más). Todavía estoy sobrecogido por su belleza. Pero no es sólo la película en sí lo que me emociona. También es importante comprender en qué contexto fue lanzada esta obra maestra.

El cine del Oeste, el ‘western’ (permítanme el anglicismo), había sido el género por excelencia durante años en la historia del cine. Por todos es sabido esto, pero también tiene su lógica. El cine, era casi el único divertimento posible para la mayoría de la población, y lo que la gente quería ver era acción, amor, heroicidades y finales felices.

Como consecuencia, todas las películas de este género que se fueron creando a lo largo de la segunda mitad del s.XX eran previsibles, maniqueas y faltas de trasfondo alguno. Como siempre, había mejores y peores, e incluso algunas son obras maestras; pero las películas del Oeste en sí, empezaron a perder fuelle en los 80. En la década de los 90, la crisis de este género era clara. La gente y los cineastas buscaban algo más que el entretenimiento más pautado.

Entonces, apareció esta película y fue vista como un western de calidad, adaptado a la nueva estética y ética de los tiempos que corrían. Podría haber sido Sin perdón un ‘revival’ del Westen, pero no lo fue. Yo creo que la causa está clara. Es casi imposible hacer con frecuencia películas con tanta calidad como ésta. Fue así como se enterró el género, con algunas excepciones extrañas de vez en cuando.

Más que un renacimiento, Unforgiven supuso el fin del género como tal. La película se olvidó de héroes, de indios, de obviedades, de acción, de mujeres bellas y honorables. El amor había muerto, no aparece ningún atisbo de grandilocuencia. Los personajes de la película luchan por vivir en una época que está cambiando, y que está dejando atrás trifulcas y rifirrafes en busca del honor y falacias del estilo. Los personajes son todos unos desengañados, que tienen que buscar causas externas para justificar su comportamiento. El dinero, la nueva vida del Este, ha vencido a los vaqueros. La nostalgia es un elemento importante al igual que ésta película recuerda nostálgicamente viejos tiempos donde siempre había una película del Oeste en el cine. Sin perdón es casi un esperpento.

Aparte del significado contextual que tuvo la aparición del filme, la película en sí contiene una gran historia, una fábula épica adaptada a los nuevos tiempos de resignación.

Uno de los grandes aciertos es la elección del título, de una sola palabra, tan ambiguo como la personalidad de los personajes. En realidad, Unforgiven significa literalmente ‘no perdonado(s)’ en vez de ‘sin perdón’. Entonces, la pregunta necesaria es quién no recibió el perdón. Al principio estaba claro, pero mientras se desarrolla la película, el espectador se da cuenta de que quizás todos hubiesen necesitado ser perdonados por alguien en algún momento. También cabe destacar que la protagonista teórica de la obra está muerta desde el primer minuto, como si no existieran protagonistas, y todas las personas que salen en pantalla fueran secundarios.

Clint Eastwood como director está soberbio. Con muy buena mano y una factura sobria consigue proporcionar ese grado de solemnidad, seriedad que necesitaba la película. Pero no sólo eso. Se podría decir que dentro de lo innovador que es el filme, las técnicas de dirección empleadas son bastante convencionales. Sólo hay una escena de pocos segundos con cámara de mano, y los planos secuencia son escasos, muy medidos y poco llamativos.

La fotografía y la dirección artística, sublimes. Pocas veces he podido disfrutar tanto del horizonte con una película. Es una pena que no pude verla en su día en el cine.

El reparto también está escogido con mucho acierto. Empezando por el actor principal Clint Eastwood. Su imagen estará siempre asociada a las mejores películas del Oeste. Y fue él mismo quien terminó acabando con el género. Gene Hackman, Morgan Freeman y Richard Harris, todos con una gran experiencia no defraudan. Es más, gracias a la calidad interpretativa de los protagonistas la historia no llega a alcanzar el absurdo que en esencia contiene.

Pero también los secundarios reclaman importancia con sus breves pero excelentes apariciones en pantalla. Recuerden el comunicador rostro de la mujer de Ned (Freeman), la empatía que hacen sentir las prostitutas. Quizás me ha costado un poco más tragarme el trabajo de Saul Rubinek en el papel del escritor W.W. Seguramente, son manías mías, pero me parece que sobreactúa demasiado.

Qué decir de la música, que aparece en pocos momentos, pero con gran intensidad.

Aunque no todo es perfecto. El desenlace, ya bastante previsible (como tiene que ser), tiene un ritmo lento que hace que la película se extienda demasiado en metraje. Aunque bajo mi punto de vista, es un mal menor.

Eso es todo. Me quedo con la imagen de Clint Eastwood con el rifle apuntando a cámara y la pregunta que le hace su amigo The Kid:

“Was it like in the old times?”

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Hellboy II: El Ejército dorado

2008-09-01T03:39:00.000-07:00

Dirigida por el aclamado director Guillermo del Toro, creador de filmes tan elogiados como “El Laberinto del Fauno”, Hellboy II: El Ejército Dorado es la nueva película basada en superhéroes. Por lo visto, todavía no se va a finiquitar esta saga de adaptaciones cinematográficas, mal que me pese.

Comienza dejando claro la falta de ambiciones de otro producto taquillero más. El grueso del argumento se desarrolla en los 30 primeros segundos en un intento de recreación televisiva de los hechos. Resultado: la película es únicamente el desenlace de una historia tópica de fantasía que no tiene por donde cogerla.

El argumento es muy, muy flojo. Incluso me atrevería a decir (permítanme la osadía) que Del Toro no ha hecho un gran trabajo. Las imágenes que se recrean son, o deberían ser, insólitas e impactantes; pero fracasan y sólo consiguen hastiar al espectador en lugar de sorprender. Peleas en un complejo sistema de engranajes mortales, bichos que crecen enormemente, bosques en Manhattan, rocas con forma de humano que se abren en medio de Irlanda… pero quizás su fuerza visual no es suficiente, o quizás el espectador se ha habituado a tanta fantasía que las escenas están muy lejos de sorprender. También existen algunos deslices en ese mundo creado por ordenador, donde, por ejemplo, el hermano de Hellboy parece un freak en Carnaval que desentona del resto de bichejos amorfos.

Y sigo con mi ensañamiento con Guillermo del Toro, porque él es el mayor culpable de este bodrio cinematográfico. El guión recurre a tópicos constantemente de una forma descarada. Últimamente, cuando una película se llena de clichés se dice que es un filme que transcurre con grandes dosis de humor inteligente y parodia, cuando su fin está a años luz de parodiar. No se confundan, porque los abusos humorísticos de esta película no son cómicos y la intención del filme no era la de parodiar a subproductos ínfimos de superhéroes como éste. Cuántas veces hemos oído: “¡Échame una mano!” y el prota recibe una mano literalmente. Ingeniosísimo. Con ese ritmo a 45 r.p.m.

La película no llegaría a ser insultante si cumpliera con lo que esencialmente promete, puro entretenimiento. Y en cierto modo lo hace hasta llegar a la hora de metraje. Durante eternos minutos se desata una pelea con un Dios del Bosque en Maniatan, con mucha acción y un ritmo puramente hollywoodiense. El caso es que se le da tanta importancia en el filme a contratiempos pasajeros como éste que a partir de ese momento, todo lo que no llegue a ese nivel de acción aburre. Los minutos a partir de la batalla se hacen demasiado largos y no se consigue llegar a la intensidad deseada hasta llegar casi a los créditos.

Del plantel interpretativo no queda mucho que destacar. Hacen su trabajo como tienen que hacerlo, repitiendo gestos de otras películas, como deben hacerlo para no llegar a innovar en ningún momento. Innovar parece peligroso en el arte de crear blockbusters.

Alguna escena se salva de la mediocridad gracias a (ahora sí) el director, que no llega a echar por tierra todo su talento en esta secuela. Algún interesante cenital de Hellboy sobre los rótulos de un hotel y algún que otro detallito curioso.

La película será un nuevo blockbuster con muy poca calidad, como nos tienen acostumbrados. La fantasía es tediosa y la imaginación no rebosa tanto como prometen. El humor fácil y los efectos especiales no podían faltar junto con algunos momentos muy medidos y controlados de ‘pseudocarga’ dramática. Un producto de masas dirigida por un Del Toro que en esta ocasión se ha entregado al entretenimiento más vulgar.

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Alguien voló sobre el nido del cuco

2008-08-19T15:20:00.000-07:00

El otro día, para ponerme al tanto en las grandes películas de la historia me dispuse a ver “Alguien voló sobre el nido del cuco”. No puedo decir que no me gustó la película, pero me quedé con la sensación de que está sobrevalorada.

Lo primero que cabe mencionar es un título precioso, mejor en inglés, “One Flew Over the Cuckoo’s Nest”. Siempre he sostenido la teoría de que un buen título es capaz de engrandecer la obra que se menciona. Es el caso de esta película y de otras muchas obras artísticas, como “El guardián entre el centeno”.

La película es de aquellas que mejoran tras terminar el visionado, volviendo a pensar en ella. Es decir, la historia que Forman nos cuenta es emocionante, pero no me convence la forma en la que lo cuenta.

El desarrollo del filme es plano y tedioso. La película tiene 133 minutos de duración, y durante dos horas, todas las escenas son iguales. La evolución de la trama es totalmente previsible llegando incluso a producir hastío. A lo mejor, habría que entender que la fuerza visual es bastante débil porque el largometraje fue pionero y ha sido eternamente imitado posteriormente. Puede ser. El caso es que durante mucho tiempo, no pasa nada, y el filme transcurre repitiéndose. También se puede comprender que mediante la más exasperante repetición se puede llegar a entender por lo que estaba pasando Mac, pero aún así creo que no es necesario aburrir al espectador.

Éste detalle hace que “Alguien voló sobre el nido del cuco”, no sea, bajo mi punto de vista, una obra maestra aunque sí que es una muy buena película.

La música, la banda sonora es maravillosa. Es la única salvación que tiene Jack Nicholson para aguantar.

La dirección de Milos Forman no me pareció nada peculiar. Es decir, son todo medios-planos, y de vez en cuando utiliza el zoom de la cámara pero de forma totalmente aleatoria. Debo volver a hacer hincapié en mi enciclopédica ignorancia y volver a afirmar que en su momento, la dirección de Forman fuese innovadora, pero ha quedado algo anticuada; integrada en la mediocridad de la dirección actual.

Las actuaciones no sorprenden. Jack Nicholson sobreactúa y no es nada nuevo. Quizás se puede llegar a aceptar que sobreactúa cuando hace el papel de un desequilibrado que a su vez actúa como si estuviera loco. Puede ser, pero su interpretación no llega a ser del todo creíble.

Sí que me sorprendió gratamente la labor de la enfermera, Louise Fletcher, que ganó el Oscar. También destaca el joven debutante Brad Dourif en el papel de Billy Bibbit. Sin duda, el papel del tímido Billy tenía más miga que el McMurphy de Nicholson.

Pero hay algo que hace que esta película irradie brillantez y claridad entre tantas películas de su época. Es la sencillez, la melancolía y el simbolismo que proporciona el fantástico final lo que hace de la película algo que recordar.

Por que lo mejor pasa en los minutos finales (y no voy a hablar más sobre este aspecto), la película gana cada vez que se piense sobre ella y se intenta interpretarla de forma simbólico. Es por eso que ha quedado en la memoria de tanta gente como una gran obra del cine. [No se acordarían de las dos horas precedentes]

Funny Games

2008-08-17T03:27:00.000-07:00

Un matrimonio y su hijo viajan a su casa de verano donde se encontrarán con dos maniacos que les harán pasar miedo. Ése es a grandes rasgos el argumento de Funny Games. Y es más, sin contar suspiros, ni gritos ni sollozos, el guión no debe tener más de seis páginas. Nada parece indicarlo, pero Funny Games es una obra maestra.

Empieza como una buena película de terror, con mucha tensión incluso en las escenas a pleno sol y con música de Haendel de fondo. Y podría estar bien si la película siguiera así, pero no, va cambiando y el espectador debe ir aceptando las transformaciones, los cambios de la película. Al final todo es un juego, bastante divertido, donde nada es lo que parece y lo único que hace la película es jugar con el pobre espectador y no con Naomi Watts and Family.

El miedo es uno de los factores de la película. El miedo en forma de tensión y suspense, como "Perturbación angustiosa del ánimo por un riesgo o daño real o imaginario". La violencia física está presente pero mucho menos que en otros filmes y además de forma no explícita. Es mucho peor la violencia psicológica y el chantaje que sufren los personajes junto con el espectador. No tiene mucho que ver a la violencia sádica de otros largometrajes como "Hostel" o la saga "Saw"

Funny Games puede gustar o no, pero es una película transgresora, muy inteligente y muy impactante donde la sorpresa está asegurada. El humor oculto, inteligente y negro, de Haneke también se puede apreciar, llegando incluso a ser ofensivo. La película parece que tiene la función de negar todo desenlace que el espectador se pueda imaginar, truncando esperanzas. El guión está perfectamente trazado, con unos (escasos) diálogos muy elocuentes. Impactantes son los comentarios de la escena del final en la barca. Al final, es el espectador el que decide si aceptar o no el juego, si dejarse llevar por la estética de la película y disfrutar o rechazarla por completo.

No hace falta mencionar el genial trabajo de Haneke. Cada escena dirigida con pulcritud, con un ritmo lento que no decae por su constante tensión. También deja ciertos objetos icono que serán recordados. Los guantes blancos y los impolutos jerseys níveos, la pelota de golf y los palos...

En cuanto a los actores, están acertados aunque no destacan especialmente ya que es la atmósfera angustiosa la que atrae todas la atención del asistente. Michael Pitt, es el adecuado para ese papel porque la verdad es que tiene cara de psicótico. Naomi Watts, desde mi punto de vista hace su trabajo de forma más convicente que en la saga "The Ring", y el niño para ser tan joven no desentona.
Es una película recomendable para los amantes del terror psicológico, un filme inteligente y muy conseguido que sólo tiene una pega: que está repetido.

La película es un remake plano-por-plano del filme homónimo del 97, lo único que aquél estaba rodada en aleman. Mucho ha sido criticado por ello Haneke. Es verdad que puede llegar a ser innecesario esta copia, pero tiene dos ventajas:

1. Que (mucha) gente que no ha visto la primera, se entere de que existe "Funny Games" (como yo).
2. Que el director se forre, y como consecuencia, que tenga ganas de hacer nuevas películas

Enemigo a las puertas

2008-08-16T13:35:00.001-07:00

Telemadrid. Viernes a las 22 horas. El Megahit: Jude Law, Rachel Weisz, Joseph Fiennes, Ed Harris, Bob Hoskins… Total, que tenía pensado ver otra película, pero el Cosmos decidió que viera “Enemigo a las puertas” (Enemy at the Gates). Como en Telemadrid se puede poner en Versión Original, era perfecto.

En los comentarios que se hacen antes de la proyección en el Megahit, el narrador comentó que ésta era la película más cara de la historia del cine europeo. Estaba ambientada en Rusia en la 2ª Guerra Mundial, por lo que me esperaba una película llena de burda violencia para que el espectador se dé cuenta de lo horriblemente horrible, valga la redundancia, que es la guerra.

En realidad no. El argumento tiene bastante autosuficiencia como para no tener que mostrar innumerables explosiones y así enseñar la crueldad de la batalla de Stalingrado. El núcleo argumental se basa en la suma de los pequeños dramas de cada personaje que aparece en pantalla, dando como resultado un drama bélico sin enredos inverosímiles, sencillo a cuanto a forma pero muy eficaz en cuanto a emociones.

Se han olvidado de incluir en el guión unos bandos (el alemán contra el ruso) maniqueos, donde los nazis son unos inhumanos y los rusos son unos pobres hombres. Cada hombre que está en la guerra tiene una historia, un drama a sus espaldas que le lleva a luchar desesperadamente al frente, sin importar su procedencia.

El argumento podría parecer insulso, pero Jean Jaques Annaud tiene un talento innato para retratar atmósferas frías y tensas sin perder el ritmo. El suspense también está presente en la trama final de la película, aunque se le da más importancia a cómo se cuentan los hechos que a rodar intrigantes escenas, y es verdad que no son necesarias.
La acción también es circunstancial, y no llegan a pasarse nunca en metraje de escenas bélicas, sangrientas, repletas de gritos, lágrimas, barro y lluvia.

Así que con una buena historia, sencilla y emotiva y un buen director; el siguiente problema está en el reparto. Jude Law, como siempre está muy correcto, con elegancia y estilo. Joseph Fiennes no realiza una de las mejores interpretaciones de su carrera pero cumple con lo que su papel decía. Muy bien Ed Harris haciendo el papel del implacable enemigo. Debo admitir también que se me pasó desapercibido el papel de Bob Hoskins, que no me llamó la atención hasta que vi los créditos. Estaba irreconocible.

Pero sin duda, lo que más me ha gustado en cuanto al plantel interpretativo es la elección de Rachel Weisz para el papel de Tania. Está maravillosa, bella, fría y tierna a la vez. Además, en el momento del rodaje de la película, su carrera no había despegado todavía y sobre todo se la conocía por la niñata inglesa de "La Momia".

Para terminar; con una bella fotografía, un buen guión, un alabado director y un plantel de lujo, la película adquiere personalidad propia entre los infinitos filmes que tanto están saturando la II Guerra Mundial.

Por cierto, ¡vaya "british accent" que tienen los rusos!

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El Caballero Oscuro

2008-08-15T03:21:00.000-07:00

Sé que no debería decirlo. Sé que no puedo decirlo. Hasta a mí me ha sorprendido. Pero el caso es que Batman: El Caballero Oscuro no me ha gustado. En realidad, no me ha gustado nada.

La cinta es larga, muy larga y no logra sacar un argumento convincente. Es como si hubiera tratado de hacer un “autorresumen” de todas las historias de Batman con Word y después hacer una película. Se mezclan demasiadas subtramas simples que no aportan nada a la película, que hacen que la película sea aun más larga.

De este modo, no se le da importancia a lo que de verdad la tiene. Las escenas, la historia y toda la película se ha rendido bajo el más puro dramatismo efectista. Lo que importa en esta película son los efectos especiales, que únicamente cansan. Es decir, habría sido más útil alargarse en describir psicológicamente a los personajes, ya que no sabemos nada de ellos; y lo poco que sabemos, desde el punto de vista humano, resulta muy inverosímil.

Las escenas de acción son innecesarias y aburridas. Desde el principio, desde el banco era una detrás de otra sin venir mucho a cuento. No nos tienen que repetir 100 explosiones para entender que el villano es muy cruel.

Se han metido demasiadas historias en la misma película. Se han equivocado. No se comprende lo que le pasa a Dos Caras. Me parece que lo de Maggie (Rachel en la peli) era la única sorpresa que tiene todo el filme, y pasan totalmente de ella para mostrar otra persecución de coches. Otra más. Son prescindibles tantas historias con la mafia, el problema que tienen con el chivato de la empresa, meter a dos villanos…

Me gustó más la primera película del Joker, con Tim Burton como director. Aquella no perdía el humor. Además se cuenta cómo perdió el Joker el juicio. Aquella película no incluía 6 historias más en el guión para tener una mezcla de todo, sino que conseguía contar una sola historia del héroe y su antagonista con viveza, ritmo y sencillez. De aquel filme sólo sobraba Michael Keaton.

Por otro lado, “El caballero oscuro” es amoral. No nos engañemos. Toda la violencia que se muestra no es para retratar al Joker ni a los demás villanos como malos malísimos, porque no lo consigue. La violencia es gratuita y constante y el único fin que tiene es el de entretener. Sin más. Lo que busca la película es dejar al espectador fascinado por la cantidad de violencia gratuita que aparece. A los que no les gusta que les regalen escenas y más escenas violentas sin ningún propósito, supongo que habrán aborrecido el filme. Curioso, que estén también hablando de principios la mitad de la película cuando el filme en sí tiene bastante pocos.

El resultado es una historia deshilachada que enlaza una escena de acción tras otra sin recrearse en los personajes, que se supeditan a la más gratuita violencia.

Supongo que Christopher Nolan ha hecho un gran trabajo y su hermano también. Su propósito no ha sido crear buen cine sino intentar entretener al mayor vulgo, y lo ha conseguido. Ha hecho muy bien su trabajo. Yo sólo espero que deje cuanto antes la saga de Batman y nos regale otro tipo de películas.

Los actores, en general, estupendos. Pero es que eso no hace que los personajes que interpretan estén bien, porque tienen muy poca profundidad. Sin duda, Christian Bale es el mejor actor para representar a Batman. Maggie Gyllenhaal está correcta. Me recordaba muchísimo a Kirsten Dunst pero en fea. El resto también hacen muy bien lo suyo: Michael Caine, Aaron Eckhart, Morgan Freeman…

Aparte: Heath Ledger. La película casi se salva por él. El Joker, la historia de su propia vida. Con esos ojos melancólicos, por fuera todo parecía tristeza. Encomiable. Lo mejor ha sido poder ver una de las últimas carcajadas de Heath en pantalla.
Aun así, dejándome de sensacionalismos; el papel no es tan complicado como para conseguir el Oscar a Mejor Actor (secundario). Lo hace bien, muy bien; pero poner risa de tonto y hacer cosas extrañas con la cara pintada no tiene tanta dificultad.

La música también se acopla al filme con calidad y maestría, pero sigue sin hacer que una película me guste sólo por su banda sonora; acompañando peleas y explosiones.

La película: acción y violencia para el entretenimiento más simple con una historia que flojea y no consigue retratar bien su objetivo ni su trama principal. Sólo merece la pena poder ver un poquito más a Mr. Ledger en pantalla, aunque sea así.

No hace falta decir que la película no se merece, ni de cerca, estar en ninguna lista, por larga que sea, de las mejores películas de la historia. Me quedo con el consuelo de que el tiempo devuelve la perspectiva que a veces se pierde.

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Charlie Bartlett

2008-08-14T13:09:00.000-07:00

Charlie Bartlett, una película estrenada en febrero en USA que todavía no ha llegado a nuestras pantallas (y puede que nunca llegue).

Cuenta la historia de un adolescente muy inteligente al que expulsan del colegio y como alternativa tiene que ir a un colegio público.

La película es una mezcla de puntos fuertes y débiles que deja una sensación algo amarga porque podría haber sido mucho mejor.

Siempre me han contado que en una narración [en cualquier formato, ya sea cine] existe una introducción, un nudo o desarrollo y un desenlace. El problema en ese punto de la película es que tiene muchas “introducciones, desarrollos y desenlaces”. Cada historia se desarrolla linealmente una detrás de otra sin tener ninguna repercusión la primera la siguiente. Por lo tanto, más que una película, Charlie Bartlett es una miniserie dividida en capítulos.

Primero, la adaptación escolar; después, problemas con drogas tipo “Trainspotting” pero en versión Disney Channel (no son drogas) y así continuamente hasta 5 ó 6 capítulos. Cada “episodio” no aporta nada nuevo a personas ya formadas con criterio. Son entretenidos y tienen algún momento de gracia, pero fácilmente olvidables. En cambio, sí que se recomienda a PREadolescentes con ganas de ser mayores. Lo que hace que éste no sea un filme para niños son algunos tacos (“F***”) que se les escapan de vez en cuando y algún personajillo que fuma.

Los temas que tratan son tópicos hasta la saciedad y cómo no, están tratados de forma utópica y superficial: La relación alumno-director (ver Skinner y Bart), el primer amor, los peligros de la juventud… Los personajes, son los que siempre han aparecido como estereotipos en películas de high school. Las animadoras y jugadores de fútbol, los chicos malos, la chica guapa y lista, los bichos raros, “emos”, los raperos… Nada más lejos de la realidad. Poca profundidad psicológica en su descripción, como cabe esperar.

Entonces, ¿qué es lo bueno de la película? Sobre todo, Robert Downey Jr. Es una de los actores con más carisma de la actualidad. Ya puede estar haciendo el papel con más clichés del guión que le aporta personalidad y carácter. Su rol en la película al final es de los que más importancia tienen y esto es gracias exclusivamente a Mr. Downey.
También, me encanta ver que todos los papeles que hace este actorazo son de borrachos. Mucho se rumorea su adicción al alcohol, así que los productores y directores del casting siempre eligen al mismo… ¡Qué sutiles!

Sorpresa también la del joven Anton Yelchin. Él es Charlie Bartlett y ciertamente proporciona credibilidad a su personaje y una cierta empatía. Tiene varios proyectos para los próximos años. Como curiosidad, el joven Anton es ruso y tiene 18 años. Sus padres eran bastante famosos en Rusia por que eran patinadores y cuando Anton era un bebé emigraron a EEUU donde se instalaron.

Correcto el trabajo de Kat Dennings. Ella, recuerda bastante a Liv Tyler aunque su sonrisa recuerde a la de cierta bruja en una película de Tim Burton.
No nos olvidemos, que la película mantiene siempre una labor educativa y reconfortante con algunos momentos algo innovadores pero trascendentes. En ningún momento llega aburrir, que también es un punto a favor.

[Me ha costado decidirme entre poner 3 estrellas y 2 (sobre 5)a la peli. Yo le pondría un 2,5. Por eso de aprobarle, le he dado al final un 3, pero muy justito porque la película roza la mediocridad.]

Para concluir: la película es un intento de comedia melodramática bastante irregular, que no aporta nada especial y que únicamente puede llegar a emocionar a jóvenes (muy jóvenes).

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Wall·E

2008-08-14T03:29:00.000-07:00

Wall-E es la nueva película de animación de Disney y Pixar. Podría ser como cualquier estreno veraniego, cualquier película de animación para niños que deja un buen sabor a los padres. Pero Wall-E es sorprendentemente algo diferente.

La película da un paso más en cuanto a innovación en la historia del cine. Consolida la animación como forma de hacer cine adulto, sin tapaderas y de forma masiva. Estoy seguro de que este formato se repetirá durante los próximos años, sobre todo considerando el éxito de este filme.
Es una nueva forma de hacer cine donde los rodajes no están limitados por las posibilidades físicas y se abre un nuevo mundo de “fotografía” virtual.
La fuerza visual de esta película no decae en ningún momento. A veces pienso, la cantidad de imaginación que se requiere para hacer algo así… Si se hubiera tenido que hacer algo parecido en plastilina o con robots reales, habría costado muchísimo dinero y tiempo.

Cabe decir que Wall•E no es para niños. Los diálogos son casi inexistentes y además la gracia de la película está en comprender la situación sin que te digan hablando qué pasa. Debe ser aburridísimo para cualquier infante.

Andrew Stanton (director de Wall•E y Buscando a Nemo) urde una apasionante fábula moral llena de buenos sentimientos. En ella, cuando ya no existe el mundo, lo único que queda es lo indestructible, las emociones.

El protagonista Wall•E (Waste Allocation Load Lifter Earth-Class) es entrañable. Admiro la idea de los ojos del robot, que son los que expresan sus sentimientos. Wall•E representa muchas cosas o ninguna a la vez. Me extrañó no ver en los carteles publicitarios actores que doblaran a los personajes, como ha pasado en todas las películas animadas anteriores, pero es que ésta vez es distinto. Hasta las voces robóticas se hicieron con ordenador. Cuanto menos, resulta también curioso el carisma que desprende Wall•E, porque ya es casi un icono de una nueva generación. Desde E.T. no se ha visto nada igual.

Eve (Extra-terrestrial Vegetation Evaluator) o Ev-ah (como dice Wall•E) es uno de los personajes más importantes de la historia. Ella es la única salvación del mundo, es la esperanza de las ruinas terrestres, pero ella también mantiene esperanza por encontrar algo en nuestro planeta. Con mucho carácter, inteligencia y personalidad, simboliza la “persona” que tenazmente realiza su trabajo; y luego si puede se busca algún amigo.

Los personajes secundarios que se cruzan en la trama mantienen historias paralelas sobre las que también se debe recapacitar. Los humanos, que han perdido la esencia de la humanidad, son ahora virtuales. El sedentarismo y la obesidad. La cucaracha de la que todos pasan y a la que todos pisan. La ardua decisión entre Manual y Automático que me recordaba mucho (no sé por qué) a las cámaras digitales. La contaminación de la atmósfera… Son muchas otras pequeñas historias (con moraleja) que requieren un análisis más paulatino del espectador para poder comprender la complejidad de la trama.

Como ya muchos apuntan, Wall•E es una de las mejores películas de animación. También se rumorea que es una seria candidata al Oscar como mejor película (el de mejor pelicula de animacion lo tiene asegurado, queda planteada la duda de ver si a los señores de la Academia les importa más la calidad que unos actores de carne y hueso a la hora de elegir las nominaciones a la categoría más importante). No sé. En medio año ya se habla de Wall•E y Batman como candidatas, y todavía queda lo mejor. Muy interesante va a ser este 2008, cinematográficamente hablando.

Yo, aunque no me gusta mucho repetir películas, con Wall•E haré una excepción y la volveré a ver. Seguro que gana mucho.

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Rebobine, por favor

2008-08-13T05:50:00.000-07:00

El otro día decidí ver Rebobine, por favor. La sensación que me dejó el director y guionista Michael Gondry tras el visionado de ¡Olvídate de mí!

La trama, en manos de otro director asustaría y mucho:
Jerry decide sabotear una central eléctrica, se magnetiza y destruye las cintas (VHS) del videoclub de su amigo.
Sorprendentemente, nos encontramosante una de esas comedias que aparecen una vez cada mucho tiempo; de las que quedan en la memoria como ejemplo de comicidad y creatividad.

La película en sí, como concepto global es un guiño constante a los clichés y tópicos de la historia del cine. La parodia, dentro del filme se divide en varias dimensiones transversales.

Por un lado, los guiños (divertidísimos) "suecados" explícitos a Cazafantasmas, Hora Punta 2, Paseando a Miss Daisy, King Kong…
A su vez, la trama y todas las escenas que suceden en ella tienen un efecto dejà vu, conformando también una parodia más implícita

El filme mantiene su viveza y la capacidad de sorprender durante todo el metraje. Los personajes desprenden ternura y nostalgia sin llegar a ser empalagosos. Su historia incita a una reflexión, o por lo menos, empuja a mantener en la memoria todos los [buenos] momentos que hemos pasado con el cine, en todos sus ámbitos…Desde estar una hora eligiendo películas en el videoclub, la renovación del formato de vídeo del VHS al DVD, la emoción que nos producen (algunas) películas…

El plantel es estupendo, muy bien elegido. Jack Black, nos enseña que su capacidad interpretativa no está enmarcada en ningún género bordando esta "comedia".
Atentos al despegue de Mos Def tras esta película. Su carrera está cotizando al alza y ya tiene en su agenda ocho proyectos interesantes para los próximos años. Tengo la sensación de que le vamos a ver mucho en pantalla durante los próximos años.
Muy interesantes también las apariciones de Mia Farrow y la sorpresa: Sigourney Weaver.

Mención especial a Melonie Diaz. No dudo que llegará a ser una actriz reconocida internacionalmente. Tras su conmovedor papel en Memorias de Queens (“A Guide to Recognizing your Saints” en inglés) con Shia LaBeouf, alguna peliculilla más y ésta de Michael Gondry; se está consolidando en el panorama. Muy guapa, por cierto.

De Michael Gondry hay poco que decir. Chapeau! No deja que decaiga el ritmo durante el transcurso del metraje. El humor inteligente y omnipresente lo evita. Algunos gags son realmente hilarantes, sin caer en nimiedades. Incluso el final, que parece que pierde la frescura inicial es también parte de la parodia. Espero con ansias su próxima película.

Saber parodiar una o varias películas a la vez debe ser muy complicado, lo que contrasta con la facilidad que tiene el guionista francés para hacerlo. Sobre todo, viendo la cantidad de desastres que hay últimamente: Casi 300, Doomsday, Date Movie, Scary Movie…

El visionado producirá sorpresa, después risa y por último un cierto sabor nostálgico y fresco. ¡No se la pierdan!

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Senderos de Gloria

2008-08-05T04:32:00.000-07:00

El otro día me decidí a ver “Paths of Glory” (“Senderos de Gloria”) por eso de aumentar un poco la culturilla y descubrir al primer Kubrik.

El impacto de la película fue brutal. No esperaba algo tan bueno, una obra maestra del cine, de la vida y la guerra, del arte, del belicismo.

Ante mis ojos las bellas imágenes configuraban el mayor manifiesto artístico en contra de la guerra; el alegato contra la manipulación de la prensa, la angustia del hombre; la representación de la incertidumbre ante la muerte.

Los temas que en la película aparecen son tan universales como la propia existencia:

El miedo, la injusticia como forma intrínseca de una sociedad, la hipocresía, la guerra, la manipulación, la ostentación del poder…

Y todo ello con un guión perfecto, inolvidable. La ironía, muy inteligentemente dosificada, se encuentra presente durante todo el metraje, incluso en el título: “Senderos de gloria”. Los diálogos quedan para el recuerdo, donde hay tantas citas memorables que sale mejor comprar el guión o bajarlo de Internet.

Todas las escenas son únicas y de una belleza inconmensurable. El director consigue plasmar el dolor de la guerra, el miedo, la valentía en cada toma sin olvidar nunca la belleza. Resulta curioso que el acabado de una película en blanco y negro no haya quedado anticuado como sí pasó con otros filmes coetáneos que han perdido parte de su esencia en el contraste con la forma narrativa actual.

La obra no pierde su frescura en ningún momento. Por mencionar algo que recordar: el plano secuencia por las trincheras, la defensa en el juicio, el paseo de los condenados hacia los tres palos, metáfora de la muerte de Jesús, con el arrepentido en el medio.

Si hay algo que quizás ahora no cuadra mucho ahora es la escena final, donde un guionista actual habría hecho que violaran a la alemana, dejándose así de moralinas.

Es necesario no descontextualizar las obras de arte, y en los 50, las películas tenían siempre una carga moral para hacer reflexionar al espectador y para poder pasar la censura.

Otra pequeñísima pega que se puede encontrar es que todos los franceses hablan inglés (con distintos acentos) entre ellos, cosa que en la actualidad no habría pasado. Si son franceses hablarían francés toda la película, y si no que buscasen una batalla de Inglaterra en las trincheras que también hubo. Pero vuelvo a lo mismo, no se puede sacar de contexto y hay que tener en cuenta que está basada en una novela.

La actuación de Kirk Douglas sobresale en su carrera, creando a un personaje mítico e inteligente, con el que el espectador se identifica y sufre el pesimismo de la guerra que no hace otra cosa que ocasionar males innecesarios.

En definitiva, “Senderos de Gloria” es una de las mejores películas de la historia del cine, con el gran guionista y director Stanley Kubrik. Su metraje emociona y reflexiona a la vez que la fuerza narrativa y visual pega al espectador a la pantalla y le deja con una sensación de las que pocas veces aparecen en la vida.

¡Esto es el cine, señores!

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Promesas del Este

2008-08-04T05:11:00.000-07:00

El otro día me decidí a ver por casualidades del destino “Eastern Promises”, “Promesas del Este”.

A su favor tenía la presencia del gran David Cronenberg como director y una nominación al Oscar por el trabajo de Viggo Mortensen haciendo de ruso.

La verdad es que la película no me defraudó. El argumento me pareció muy trabajado, con una buena historia que contar donde es más lo que no se dice que lo que se muestra. Requiere del espectador un análisis posterior de la película para entender qué le llevó a cada personaje a hacer lo que hizo.

-Spoilers-

Si hay algo en cuanto al guión que no me gustó fue la cantidad de casualidades que aparecen unas detrás de otras. Aunque después pensándolo bien no es tan inverosímil que los rusos vivan juntos y que la protagonista trabaje cerca de su casa, donde viven los rusos. Lo que ya me pareció algo más extraño es que un hombre (con cara de malo) pueda robar a un bebé de un hospital, dejar un ramo de flores en su lugar y que nadie se dé cuenta.

-Fin de Spoilers-

La actuación de Viggo Mortensen es espectacular añadiendo la dificultad de hablar ruso e inglés con acento a la perfección. Me encanta cómo hace el personaje del hombre discreto, en el que nunca te fijarías si lo rodeas de sus amigos mafiosos.

Naomi Watts…como siempre. Poniendo cara de simple, aunque tampoco está mal. Es como si siempre hiciera el mismo personaje en distintas situaciones… ¿No sé parece mucho (psicológicamente hablando) su personaje en este filme con el de King Kong por ejemplo, o en The Ring?

Sin duda, lo que hace de esta película una buena película y no un thriller sensacionalista más es la labor de Cronenberg. Es imresionante cómo consigue retratar atmósferas tan bien con tanta tensión sin música y con una estética tan sobria. ¡¡Brillante!!

La película no despunta entre las mejores películas de mafiosos por algún pequeño detalle pero su visionado es totalmente recomendable. Una película que no puede dejar indiferente a nadie (después de engañar tan bien y tanto al espectador).

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Doomsday

2008-08-02T15:15:00.000-07:00

El otro día por casualidad entré al cine, y como no había mucho donde elegir, decidí entrar a ver Doomsday.

Suponía que una película europea tenía que tener cierto prestigio para llegar a nuestros cines. Fue un error entrar en una película sin saber nada de ella…únicamente había leído una pequeña sinopsis que me recordó demasiado a “28 días (y semanas) después” y al final, un nota que decía: “Género: Acción/ Terror”.

Con las películas buenas, acudir al cine sin saber nada del argumento es un punto a favor. En este caso, la decepciones puede ser horribles.

Los primeros minutos parecían ser de una película mala (y entretenidilla) de Telecinco para los domingos a las 17 horas. Luego me di cuenta de que era mucho peor. Llegó un momento en la película (cerca de los numeritos punks-caníbales) en el que decidí salir de la sala y de hecho me levanté. Después pensé en ver la película como si fuera una broma (sin la menor gracia). Y me quedé.

Primero, vi cómo el “Virus Segador” (ojo a la traducción), destruía Escocia y aparecía una niña a la que volaban un ojo y se despedía de su mami llorando.

Años más tarde, aparece una mujer medio biónica, medio policía, clon (mejor dicho, plagio) de Kate Beckinsale en Underworld, con un ojo cámara, sin sentimientos y adicta al tabaco.

Es medio amiga del pobre Sr. Hoskins, cuya carrera cinematográfica está acabada.

A partir de ahí, una sarta de disparates, inventados por el sobrino paranoico recién nacido del guionista:

Se envía a la “Kate Beckinsale” con una tropa de élite y unas armaduras de Power Ranger (que no cubrían la cabeza…punto débil) a Escocia. Van por la noche, para que en caso de que exista algo en Glasgow, no lo vean.

Les capturan una panda de punks (como lo digo), llenos de tatuajes, que escuchan música de la década de los ’00 y que se comen a los humanos. Estan en guerra con los medievales y alternan vivir en las cavernas con fuego con utilizar focos luminosos de máxima potencia y autobuses con gasolina.

Tras escapar con una señorita vestida de furcia medieval, se encuentran por el bosque con el temido Telamon (que creo que era un Digimon). Les capturan y les llevan (como en el Señor de los Anillos) a un castillo como el del Reino de los Cielos y . Allí, todos los tíos viven con falda y armadura.

Mientras, en Londres, el político malo malísimo "Cannabis" o algo parecido quiere matar todo Londres.

Finalmente, aparece un Bentley (que casi no corre), vuelven los punks, que con una chatarra alcanza al coche y se retratan varias escenas de acción aburridas y totalmente inverosímiles.

Por cierto, no hay ningún día del juicio final ni nada que se le parezca...

Si esto era una broma, no hace gracia; si esto era un guiño nostálgico a películas del pasado, no se entiende; si ésta es una película de humor inteligente, prefiero ser oligofrénico.

No se logra transmitir nada el tono de parodia que sí que se capta bien en otras películas (mucho mejores), como Grindhouse.

Por otro lado, también me ha sorprendido lo que hacen las expectativas de la película de un director alabado. Cualquier bazofia se hace comestible y algunos sectores de la crítica se convierten en carnaza lista para alabanzas. Si esto lo hubiera hecho un novato, se habría quedado con el VHS de la película en su estantería.

Sólo se salva algún intento del director por lucirse.

Uno de los peores (tele)filmes que he visto en mi vida.

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Quadrophenia

2008-03-15T16:45:00.000-07:00

El otro día, debido a un cúmulo de afortunadas casualidades, me decidí a ver la película Quadrophenia.

Lo primero a tener en cuenta es el año de estreno en Inglaterra, 1979. Durante su etapa en los cines, la película fue muy criticada por su violencia aunque tuvo muchos seguidores entre el público adolescente que no cumplía la edad necesaria para verla.

Esta película, considerada de culto en la actualidad, cuenta cómo era la vida de Jimmy, un mod inglés (Phil Daniels) durante la década de 1960.
La película parte de la idea de hacer un filme basándose en el disco homónimo de la banda The Who. Lógicamente, la BSO de la película incluye gran parte de las canciones de esta ópera rock del famoso grupo.

La película es larga (cerca de 120 min de metraje). Durante una primera parte, Jimmy nos introduce en su mundo mod, asistimos a varias fiestas de la época. Jimmy conoce a mucha gente, entra en el mundo de las anfetaminas, comparte juergas con sus amigos...pero a su vez, frecuenta peleas contra la "banda rival", los rockers y las relaciones con su familia van empeorando. Durante la primera hora de la película, el director nos introduce en la época.
Según mi punto de vista, en la primera parte se incluyen escenas muy explícitas que chocan con su fecha de grabación. Algunas me parecen totalmente prescindibles, y en algunos momentos, se hace difícil mantener cierta simpatía con Jimmy, el protagonista, y sus continuas estupideces. Aunque esta primera parte no es nada del otro mundo, destacan las escenas de Jimmy solo en su cuarto y en el río, bajo la banda sonora.
Un fin de semana deciden irse todos los mods a Brighton, una ciudad costera. Jimmy va con su solicitada amiga, esperando que surja el amor. Por el camino se cruzan con unos rockers y se montan unas peleas impresionantes.
La dirección de esta parte es muy novedosa. Las peleas son multitudinarias y reflejan realmente cómo eran las que sucedieron en los verano de los 60. Entre cánticos de guerra, golpes y persecuciones con la policía y chicas, aparece en escena Sting. Él, que no era mod, interpreta el papel de un mod afamado y la verdad es que resulta muy curioso verle en escena, aunque quizás le falte un poco de diálogo.

El final es totalmente fantástico. La última media hora es sobrecogedora. Por un lado, la actuación de Phil Daniels que llega a estremecer en algunos momentos; también destaca durante toda la película, pero ahora más, la música de The Who de fondo y las últimas tomas con los padres, las motos y el descubrimiento de la falacia que era su vida.

La película mantiene un in crescendo a lo largo de todo la película. Su ambigüedad es un punto a favor del espectador, que es él quien finaliza la historia. La violencia de las peleas nos introduce en un mundo nuevo. La película también advierte de los peligros de pertenecer activamente a un grupo.

Para concluir, Quadrophenia no es una obra maestra, pero si que es un documento sobre la cultura mod sesentera y deja marcadas ciertas escenas muy bellas en la memoria.

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